Lasagne alla zucca e taleggio.

Ho assaggiato queste lasagne lo scorso week end, in un ristorante a Milano e mi sono piaciute talmente tanto che ho voluto provare a rifarle una volta tornata a casa. La dolcezza della zucca si abbina splendidamente con il sapore deciso del taleggio..non potrete smettere di mangiarle!

Ingredienti:

• 250 gr di pasta all’uovo o lasagne confezionate
• 1/2  lt di besciamella 
• 400 gr di polpa di zucca
• 250 gr di taleggio
• parmigiano grattugiato
• sale
• pepe 
• olio extravergine d’ oliva 

Sbollentare per pochi minuti le sfoglie all’uovo in una pentola con poca acqua e un filo di olio, scolarle e metterle ad asciugare su una tovaglia o canovaccio pulito.

Preparare il condimento.

Lavare la zucca, e metterla ad appassire in forno a 200° per 25/30 minuti. Successivamente prelevare la polpa con un cucchiaio e schiacciarla con la forchetta in una ciotola fino ad ottenere una purea, regolare di sale, pepe e un filo di olio.

Tagliare a pezzetti il taleggio. Iniziare ad assemblare la teglia di lasagne.

Sul fondo della pirofila da forno disporre un velo di besciamella, e iniziare a comporre il primo strato con le sfoglie di pasta all’uovo. Ricoprire con uno strato di purea di zucca, pezzetti di taleggio, besciamella e una spolverata di parmigiano. Proseguire con gli strati successivi alternando le sfoglie di pasta, e ancora zucca, taleggio, besciamella e parmigiano fino a completare con l’ultimo strato di sfoglia ricoperto di abbondante besciamella, zucca e ricoprendo il tutto con il parmigiano. Infornare a 180/200° per circa 20 minuti.

Song: "In the City" The Jam.

"A kick in the balls, that's entertainment", cantava Paul Weller  nel 1980. A quel tempo, i Jam  erano considerati una delle migliori band britanniche. Ma questa frase descrive perfettamente “In The City”,  il loro debutto nel 1977: un calcio nelle palle. E 'aggressivo, veloce e intelligente, tutto allo stesso tempo, e questo può facilmente essere accreditato al talento di Weller. All'età di 18 anni, ha invitato i giovani in tutta la nazione a sostenere le loro convinzioni , chiedendo un vero cambiamento. Tuttavia, mentre i Sex Pistols predicavano "No Future" e sputavano su tutto ciò che è venuto prima di loro, i Jam hanno onorato i loro idoli nella loro musica.  Paul Weller - compositore, cantante, chitarrista e principale forza motrice della band - aveva cominciato a suonare 14enne, nel 1972, rimasto folgorato prima dai dai Beatles e dal sound Tamla-Morown, successivamente dagli Small Faces, dagli Who e dai Kinks, ma è l’incontro col rozzo Dr. Feelgood a guidare il suono nella giusta direzione . Nel 1973 vengono formati da Weller i Jam, e nel 1975 arrivano i primi concerti fuori contea, con la line-up della band ormai consolidata : Paul Weller - Voce e chitarra, Bruce Foxton - Basso e cori , Rick Buckler - batteria. Invece di richiamare all'anarchia, volevano solo che gli adulti li prendessero seriamente. E molti giovani frustrati hanno seguito Weller e la sua band. Tutto questo è già evidente nel brano di apertura del disco,  Art School. «anything that you want to do, anyplace that you want to go / don’t need permission for everything that you want / any taste that you feel is right, wear any clothes just as long as they’re bright –" canta Weller, dicendo che il futuro appartiene ai giovani e che non devono subire le visioni idiotiche della vecchia generazione o dei media. Invece di suonare lo stesso accordo per 3 minuti, la musica dei Jam prende segnali da band di garage come i Kinks rendendo il risultato finale più potente e urgente. Come detto prima, i Jam non hanno voluto rinnegare i loro idoli musicali. Oltre alle influenze del garage e delle  mod bands degli anni 60, il debutto include anche due cover. Il tema di Batman è una grande conclusione della prima metà del disco. La rielaborazione di “Slow Down”, originariamente di Larry Williams, è impressionante perchè trasforma l'originale, più  “morbido” in un inno punk, e come tale, è uno degli highlight dell’ album. Altro brano incredibile, "In the City" è riuscito a raggiungere  la top 40 della classifica inglese  e ha fruttato un apparizione nella trasmissione Top of the Pops. Brillantemente accattivante,  alimentato da un riff di chitarra memorabile e dalla prominente linea di basso di Bruce Foxton, "In the City" è un brano-manifesto che in un paio di minuti condensa un’ideologia ed un’estetica chiarissime: il futuro che l’establishment non pare affatto garantire esiste, sta nella mente, nella forza dei più giovani e nel loro entusiasmo contagioso. Come punto di relax dopo il riffage veloce, abbiamo “Away From The Numbers” and “Sounds From The Street” . Il ritmo più sommesso consente ai testi di Weller di brillare.
Con In The City, i Jam hanno registrato un vero e proprio capolavoro punk / mod. Molti dei testi sono ancora oggi attuali, ed è la prova delle capacità di scrittura di Weller. “A kick in the balls, that's entertainment” ,ma mai quanto questo meraviglioso debutto!

Crumble alle pere e cioccolato.

Il crumble è un dolce inglese tradizionale: la parola crumble in inglese significa briciola ed è la descrizione perfetta dell’impasto croccante e sbriciolato che si ottiene per ricoprire la frutta scelta per realizzare questo dolce. Io ho usato le pere accompagnate al cioccolato..

Ingredienti:

• 400 gr. di pere
• 1 cucchiaio di zucchero di canna
• 1 cucchiaio di estratto di vaniglia
• 60 gr. di cioccolato fondente
• 35 gr. di nocciole sgusciate
• 70 gr. di farina 00
• 40 gr. di burro freddo
• 40 gr. di zucchero di canna

Per preparare il crumble di pere lavate e sbucciate le pere e tagliatele a cubetti.

Condite le pere con il cucchiaio di zucchero di canna e il cucchiaio (raso) di estratto di vaniglia. Fate saltare le pere in padella per qualche minuto, levate dal fuoco, tritate il cioccolato ed unitelo alle pere.

In una ciotola lavorate la farina con il burro freddo.

Unite i 40 gr. di zucchero di canna lasciando la consistenza “sbriciolata”.

Tritate al coltello le nocciole. Unitele al composto.

Imburrate una piccola pirofila da forno e sistemate sulla base il composto di pere e cioccolato Ricoprite le pere con il crumble.

Cuocete in forno preriscaldato a 190° per circa 25 minuti (il crumble dovrà risultare croccante e dorato).

Song: "Respect" Arteha Franklin

Il giorno di San Valentino del 1967 a New York City negli studi di Broadway dell’ Atlantic Records, una donna afro-americana si è seduta al pianoforte e ha cominciato a cantare:

“What you want

Baby, I got it

What you need

Do you know I got it

All I'm askin'

Is for a little respect when you get home (just a little bit)”

Il suo nome era Aretha Franklin. Presto sarebbe stata salutata come the Queen of Soul. E "Respect" rappresentò la sua incoronazione.

Come molti cantanti, Aretha Franklin ha scoperto la musica attraverso la sua chiesa. È stata cresciuta a Detroit, dove suo padre, il reverendo C.L. Franklin, è stato il predicatore nella New Bethel Baptist Church. Le chiese nere non erano solo centri di esperienza religiosa, erano anche luoghi di attività sociale, dando un senso di comunità a una popolazione colpita dal ribaltamento della Grande Migrazione. La Grande Migrazione ha cambiato il tessuto della nazione, con milioni di afro-americani che si spostano verso il nord, cercando lavoro e libertà. Le chiese nere attive in questo senso, come la nuova chiesa battista di Bethel, fiorirono negli anni '40 e '50 nelle città industriali settentrionali. Lo stile musicale di Aretha aveva radici in questa storia. Suo padre era soprannominato "l'uomo con la voce da milioni di dollari". Era la  amico stretto con altri predicatori cruciali e itineranti, come Martin Luther King Jr. e di celebri cantanti gospel, tra cui Mahalia Jackson e Clara Ward. Crescendo, Aretha ha iniziato a  cantare in chiesa con i suoi fratelli, (le sue sorelle, Erma e Carolyn, le fecero da coriste in vari album album durante la sua carriera). A diciotto anni, madre di due figli e con un divorzio alle spalle, Aretha fece una pausa dalla musica evangelica. Con la benedizione di suo padre, e seguendo le orme di Sam Cooke che prima di lei aveva fatto una transizione simile, ha firmato un contratto con la Columbia per registrare pop music. Ma capita che artisti di grande talento molte volte rimangano ai margini del mercato discografico. Lo stesso capitò nella prima metà degli anni sessanta ad Aretha. E nel suo caso il periodo buio non durò il tempo di un solo disco o di una stagione, ma addirittura sei anni. La Franklin modellò la sua voce sulle grandi cantanti gospel dell'epoca senza permettere alla sua grande personalità vocale di emergere. Tutti gli album registrati tra il 1960 e il 1966 per la Columbia mancano del suo inconfondibile stile interpretativo trascinante. L’arrivo di  Jerry Wexler, produttore per l'Atlantic, cambiò la sua vita. Waxler  credeva nel suo talento e aveva deciso di farne la nuova regina del soul. Seguendo i suoi giusti consigli, la Franklin lasciò la Columbia e si legò proprio a questa nuova casa discografica. Nonostante la leggenda dica che Aretha litigò con tutti i musicisti, le registrazioni in quel giorno di febbraio del 1967 la consacrarono definitivamente nell’olimpo degli dei .

Otis Redding aveva scritto e registrato "Respect" nel 1965. Ma Aretha Franklin ha preso possesso della canzone per sempre con la sua cover definitiva, accompagnata ai cori dalle sorelle Carolyn e Erma. Nella versione della Franklin, vennero aggiunti all'originale una nuova parte e l'intervento del sax tenore di King Curtis. Il brano venne incluso nell'album “I Never Loved a Man the Way I Love You”. Il successo della versione della Franklin fu persino maggiore dell'originale: due settimane in testa alla classifica generale australiana ed americana di vendita Billboard Hot 100 e otto settimane in testa alla classifica di vendita di Billboard dedicata alla musica nera.  La musica e anche il significato delle due versioni sono sensibilmente diversi, a dispetto di minime ‎variazioni nel testo

Quello chiesto da Otis Redding è un “rispetto” piuttosto torrido: “fammi pure del male, babe, basta che quando torno a casa tu mi dia il “rispetto” di cui ho bisogno”.

Un nuovo concetto di “rispetto” è nato grazie alla cover di Aretha Franklin che  diede la  voce alla donna che aspettava in casa nella versione di Redding: il rispetto invocato non ha doppio senso, non ha incertezze, è ‎proprio il rispetto verso le donne, prima di tutto. Poi, considerato che nel 1967 i movimenti per i ‎diritti cominciavano ad intrecciarsi e a saldarsi tra di loro, in breve la canzone venne adottata non ‎solo dal movimento femminista ma anche da quello per i diritti civili degli afroamericani.‎

Se altre cantanti black del periodo erano sdolcinate e romantiche, Lady Soul era invece aggressiva e grintosa. Dal 1967 al 1970 , Aretha fu una vera e propria icona soul, incarnando perfettamente il bisogno di spiritualità della nuova generazione nera. La sfrenata potenza e gioia dei primi album per la Atlantic, le fecero vincere tantissimi dischi d'oro e di platino negli USA ed ottenne una copertina sul Time: fu una delle prime artiste donne ad avere questo onore. Anche Redding fu impressionato dal successo, durante la sua performance al Monterey Pop Festival dell'estate del 1967 presentò Respect come "una canzone che mi è stata rubata da una ragazza"!

Soulkitchen sul "Gambero Rosso"!

Soulkitchen è approdato sulla carta stampata!
 Ringrazio Antonella De Santis per avermi offerto questa opportunità e tengo a fare qualche precisazione più che dovuta:
- La mia foto nell'articolo è di Irene Malfanti;
- Jukebox Sommelier (Federico Faggioni) non è un blogger ma un super dj;
- Il Festival della Mentina è stato organizzato dalle menti geniali del Lavoratorio Artistico di Sarzana.
..detto questo..buona lettura!

Insalata autunnale con patate dolci.

Con gli ingredienti dell'autunno possiamo sbizzarrirci in gustose insalate. Le insalate sono un'ottima idea per un pasto, ci riempiono di sali minerali, vitamine e se sono belle ricche ci possono fornire energia senza appesantirci. Per questa ho voluto provare ad usare le patate dolci..



Ingredienti

·     250 g di patate dolci

·     1/2 tazza d'olio

·     1 cipolla schiacciata

·     1 pizzico di sale

·     1/2 cucchiaino di zenzero

·     1 bicchiere d'acqua

·     1 pizzico di cumino

·     1 cucchiaino di peperoncino rosso dolce

·     1 cucchiaio di prezzemolo tritato e coriandolo

·     succo di mezzo limone

·     la buccia di limone tagliata in piccoli pezzi.

·     Insalata mista (valeriana, lattuga, riccia)

·     120 g Ceci precotti

·     100 g Ricotta di pecora.

·     50 g Noci già sgusciate

·     1 Melagrana i semi

·     2 cucchiai Olio

·     2 cucchiai Aceto Di Mele

·     2 cucchiaini Miele di castagno

·     Qualche pizzico Sale rosa


Preparare le patate dolci: sciogliere la cipolla con l'olio, il sale, lo zafferano e lo zenzero, versare il bicchiere d'acqua, aggiungere le patate dolci sbucciate e tagliate in pezzetti, coprire la casseruola , cuocere per 5 minuti, aggiungere il cumino, il peroncino rosso, il prezzemolo, il coriandolo, il succo di limone, la buccia di limone . Cuocere fino a che le patate non sono diventate morbide.
Scolare i ceci precotti.
Lavare l'insalata e tagliarla a striscioline. Pulire la melagrana e prelevatene i chicchi.
Preparare una vinaigrette mescolando in una ciotola l'olio, l'aceto, il miele e il sale.
Disporre nel piatto l'insalata, le noci, i ceci, le patate dolci, i semi della melagrana e ciuffi di ricotta. Completare il tutto con la vinaigrette.


Song: "It's All Over Now, Baby Blue" Them.

"You must leave now, take what you need, you think will last
But whatever you wish to keep, you better grab it fast
Yonder stands your orphan with his gun
Crying like a fire in the sun
Look out the saints are comin' through
And it's all over now, baby blue"..
Ci sono canzoni che arrivano nella nostra vita proprio nel momento in cui ne abbiamo bisogno. È qualcosa di magico, difficile da spiegare ma accade. A me è successo sei anni fa, quando la vita mi aveva giocato un brutto scherzo. "It's all’ over now, baby blue" nella versione dei Them è arrivata all'improvviso, è entrata prepotentemente nelle mie vene e mi ha portata proprio dove volevo andare. Come succede spesso le canzoni di Bob Dylan mi piacciono di più interpretate da altri artisti e quando uscì Them Again Il ventenne Van Morrison realizzò una cover del pezzo che a mio parere ha migliorato la versione originale. Questa canzone ha rappresentato per Bob Dylan una svolta..ma andiamo con ordine. Il Newport Folk Festival era l’ appuntamento incontrastato della musica controculturale. Durante la prima metà degli anni '60, e forse prima, quel festival aveva acquisito una forte coscienza sociale. Nel mezzo del movimento dei diritti civili, questo è stato il luogo in cui tutti i attivisti potevano riunirsi e rinnovare i loro "voti di impegno" alla causa. La chitarra elettrica e il rock’n’roll sono stati generalmente considerati dagli amanti del folk come strumenti di sistema per la coscienza intorpidita.
Ecco perché a Newport hanno rifiutato ogni approccio al mondo del "mainstream". Odiavano rock and roll. La chitarra elettrica è stata praticamente considerata una bandiera confederata. E i gruppi britannici emergenti, come semplici imitatori di quello che era davvero la musica 7 anni prima. Gli unici che erano autorizzati ad imbracciare una chitarra elettrica, secondo loro, erano i vecchi esponenti del blues che avevano trovato in lei una potente voce di accompagnamento. Il resto era considerato inaccettabile.
Bob Dylan era già considerato "la voce di una generazione". Con i 5 dischi pubblicati, "The Freeweelin Bob Dylan" e "The Times They Are A-Changin" i suoi spettacolari testi ricchi di riflessioni, misticismo, passione e realtà sono stati considerati veri e propri inni per il popolo del folk. Era già apparso in precedenti edizioni, ma per quella domenica pomeriggio, Dylan aveva un'altra cosa in mente: introdurre 110 volt di energia elettrica per suonare più forte che mai. Il suo ricongiungimento con il rock and roll di vecchia scuola (Gene Vincent, Little Richards) lo ha portato a prendere la chitarra elettrica di nuovo. Stanco di stigmatizzazione con movimenti politico-sociali, Dylan comincia a scrivere testi più personali. La trasformazione è arrivata all'inizio del 1965, con il suo album "Bringing It All Back Home", in cui ha affermato (citando il titolo) "portare tutte le radici a casa". E metà del disco è elettrico. Ma niente rispetto a quello che intendeva fare per quella domenica sera: dare un giro alla sua carriera e percorrere nuovi percorsi.
Sicuramente non era del tutto chiaro in quel momento; solo lui poteva saperlo .Ed è stato accompagnato da musicisti di tutto rispetto: Paul Butterfield, il grande chitarrista Mike Bloomfield e il tastierista Al Kooper. Dylan prova le versioni improvvisate di un paio di nuove canzoni con i musicisti..
E così sono saliti sul palco quella domenica sera. La gente aspettava di vedere il giovane Dylan con la chitarra acustica e l'armonica intorno al collo. Ed incontrarono un Dylan in giacca di pelle e Fender Stratocaster sulla spalla, che partì frettolosamente il suo breve show. Si inizia con Maggie farm. E la gente reagisce  con rabbia. Rabbia per ciò che Dylan ei suoi accompagnatori stavano suonando.
Arriva "Like A Rolling Stone", più di 6 minuti di fusione di testi deliranti con musica dura ma travolgente.
Ma la folla di Newport, dal canto suo, fischia le sue esibizioni con la chitarra elettrica e poi è segue il “dramma”: Dylan che se ne va dal palcoscenico, con il pubblico che fischia e urla: "Butta via quella chitarra elettrica", Peter Yarrow che cerca di convincere il pubblico ad applaudire e Dylan a tornare indietro, George Wein che chiede a Yarrow in tutta incredulità: "Sta tornando indietro?", Dylan che torna indietro imbarazzato e confuso offrendo al pubblico "It's All Over Now, Baby Blue", una canzone che ho considerato il suo addio a Newport, di un'incredibile tristezza e il pubblico che ora infine applaudiva perché la chitarra elettrica era scomparsa, senza comprendere che con quelle parole il menestrello si stava accomiatando dal folk. Il Newport Folk Festival non sarebbe l'ultima volta che Bob Dylan si reinventò, ma è ora ricordato come un nodo fondamentale nella sua carriera. Fu il momento in cui proclamò la sua indipendenza artistica e aiutò ad inaugurare una nuova era rock n 'roll.

Orecchiette integrali alla crema di zucca e gorgonzola piccante.

Pochi ingredienti per una ricetta veramente gustosa, che mescola il dolce della zucca con il piccante del gorgonzola creando un amalgama di sapori veramente unico!

Ingredienti:

• 400 gr di orecchiette integrali
• 500 gr di zucca gialla
• 200 gr di gorgonzola
• 10 gr di noci spezzettate grossalanamente
• 1 scalogno
• sale fino
• olio extravergine d'oliva

Mondate la zucca e tagliatela a cubetti. Tritate finemente lo scalogno e fatelo soffriggere in una pentola con un filo di olio. Versate anche i cubetti di zucca e fate cuocere, unendo un paio di cucchiai di acqua calda, a fuoco medio, coprendo con un coperchio.Nel frattempo cuocete le orecchiette integrali.Quando la zucca sarà ben morbida, tritatela con un frullatore a immersione e, se troppo densa, allungate con acqua di cottura della pasta.In una padella fate sciogliere il gorgonzola con un po’ di acqua di cottura e poi unite la crema di zucca. Fate saltare la pasta cotta al dente e guarnite con qualche noce tritata grossolanamente. Servite la vostra pasta alla zucca e gorgonzola bella calda.

Album: "Eletric Ladyland" The Jimi Hendrix Experience

The Jimi Hendrix Experience è stata una formidabile session di musicisti per un periodo breve ma importante nella storia del rock. Electric Ladyland è stato l'ultimo di tre album della band e questo LP doppio rappresenta il loro apice creativo e musicale. L'unico album interamente prodotto da Hendrix, le registrazioni sono durate oltre un anno e sono state realizzate in due continenti utilizzando diverse tecnologie (4 piste / 8 tracce). Naturalmente, questo ha portato ad un album molto eclettico che fa emergere il talento di Hendrix in interpretazioni uniche che vanno dal folk al pop al blues psichedelico. Il materiale iniziale di questo terzo album è stato prodotto da Bryan "Chas" Chandler e registrato prima dell’uscita del secondo album del gruppo, Axis: Bold As Love, nel dicembre del 1967. Questo album è stato un successo commerciale Top Ten su entrambi i lati dell'Atlantico e ha spianato la strada a Electric Ladyland alla metà del 1968. A seguito di quelle prime registrazioni a Londra, la produzione ha ripreso durante la primavera del 1968 presso i nuovissimi Record Plant Studios di New York City. Durante questo periodo, Hendrix ha rotto la collaborazione con Chandler e si è assunto le responsabilità di produzione. Inoltre, molte delle tracce dell'album si estendono al di là del suono tradizionale dei tre ,offrendo collaborazioni con una gamma di musicisti esterni. Partiamo dal titolo: Hendrix chiamava "electric ladies" le groupies, quindi ecco a voi il paese delle meraviglie, Eletric Ladyland, perfetta rappresentazione del sognante, psichedelico mondo del rock in 16 tracce!. Si comincia con un brano che Hendrix sapeva poter essere fonte di critiche da parte degli ascoltatori , And the Gods Made Love, e proprio per questo motivo ha scelto di metterlo sul tavolo come agnello sacrificale. Si prosegue con un po’ di blues cantato in falsetto , Have You Ever Been; si passa al  rock’n’roll con  Crosstown Traffic, dopo il quale arriva uno dei grandi capolavori del disco, con il contributo del grande Steve Winwood  (Spencer Davis Group, Traffic, Blind Faith )all’organo e Jack Casady dei Jefferson Airplane al basso: Voodo Child 15 minuti di blues  che accompagnano piano piano l'ascoltatore in un crescendo di improvvisazione strumentale che nei concerti poteva far durare la canzone oltre 18 minuti.  Il secondo lato inizia con Little Miss Strange, traccia vagamente brit pop scritta dal bassista Noel Redding. Il pezzo contiene chitarre elettriche sovrapposte e armonizzate da Hendrix e il grande suono di batteria di  drumming di Mitch Mitchell. Long Hot Summer Night suona molto “Cream”, contiene grandi riff e caratterizza l'ospite Al Kooper al pianoforte. La prima cover dell'album è Come On (part I) di Earl King, una grande versione rock di un pezzo puramente blues, che presenta ben quattro assoli tutti diversi tra loro in un pezzo della durata di soli quattro minuti ; Gypsy Eyes dedicata alla madre del chitarrista è la rappresentazione del perfezionismo di Hendrix in sala di incisione. Il pezzo è stato registrato 50 volte fino a che il bassista Redding si è rifiutato di continuare a provare lasciando che il chitarrista completasse le parti di basso. Chiude questa facciata la lenta, psichedelica ed intrigante Burning Of The Midnight Lamp. Il terzo lato è forse il meno immediato all’ascolto: si apre con  Rainy Day, Dream Away  una canzone blueseggiante realizzata con la collaborazione esterna di molti artisti tra cui il batterista Buddy Miles che suonerà con Hendrix nella Band Of Gypsies dopo lo scioglimento degli Experience;  1983 (A Merman I Should Turn To Be), uno dei pezzi meglio riusciti di questa release, si torna nel campo della psichedelia, da segnalare la presenza al flauto di Chris Wood dei Traffic ed il bellissimo riff portante del brano; l’eterea, visionaria Moon, Turn The Tides. per chiudere con Gently Gently Away è un altro brano lungo e ben strutturato con un superlativo assolo di chitarra ed un finale tra il paranoico e l’allucinante. Il lato finale inizia con la ripresa : Still Raining, Still Dreaming  un po 'più ottimista di canzoni appena ascoltate, quasi come un do-over, ma ancora molto sciolto e sfocato. L'album si riprende con House Burning Down, un funk psichedelico selvaggio, ottimista, con ritmo rock: un ascolto piacevole con una fine selvaggia.

Un’altra cover e forse il pezzo che amo di più di quest’album: All Along the Watchtower, di Bob Dylan. È il brano che a livello sonoro si pone un gradino sopra a tutti gli altri. Dylan ha descritto la sua reazione a sentire la versione di Hendrix in un'intervista: “Mi ha sopraffatto, davvero. Aveva un talento unico, poteva trovare le cose all'interno di un a canzone e svilupparle vigorosamente. Ha trovato cose che altre persone non avrebbero pensato di trovare lì. Probabilmente l’ha migliorata..”.

la track finale è Voodoo Child (Slight Return) caratterizzata da assoli aggressivi di eccezionale bellezza.

Anche per la copertina Hendrix aveva le idee chiare, infatti scrisse una lettera alla Reprise Records descrivendo come avrebbe dovuto essere. L'idea era di utilizzare una foto a colori, scattata da Linda Eastman, la quale ritrae la band seduta assieme a dei bambini sopra una scultura tratta dal romanzo Alice Nel Paese Delle Meraviglie situata a Central Park, a New York. Per l'edizione statunitense, la Reprise Records ignorò la richiesta di Hendrix, utilizzando come copertina una foto che ritrae il chitarrista in primo piano, virato in giallo e rosso, opera di Karl Ferris. Nel Regno Unito, la Track Records invece utilizzò come copertina una foto che ritraeva 20 donne completamente nude, alcune sedute, altre sdraiate, su uno sfondo nero con i seni in evidenza e con in mano un ritratto di Jimi Hendrix. L'impatto sull'opinione pubblica britannica fu pessimo e alcuni negozi iniziarono ad esporre il disco con la parte interna della copertina apribile messa verso l'esterno.

Hendrix stesso si oppose a quella copertina perché riteneva che tutte quelle belle ragazze svestite distogliessero troppo l’attenzione del pubblico dal contenuto del disco..anche se a mio parere quella rimane una delle copertine più interessanti della storia del rock!