Patate ripiene con funghi, radicchio e scamorza.

E’ arrivato Febbraio e fa ancora molto freddo..qui serve un secondo che scaldi la pancia e il cuore e io ho preparato delle patate ripiene di funghi, radicchio trevigiano e scamorza, una ricetta semplice e molto gustosa!

Ingredienti

• 6 patate
• 200 g di scamorza
• 400 g di funghi
• Mezzo cespo di radicchio trevigiano
• q.b di olio extravergine d’oliva
• 1 spicchio di aglio
• q.b di sale
• q.b di pepe
• q.b di emmental grattugiato

Le patate andranno lavate accuratamente sotto acqua fredda corrente così da eliminare tutti i residui di terra sulla  superficie e poi andranno lessate in abbondante acqua salata per 40 minuti. Per avere un risultato omogeneo scegliete delle patate che abbiano tutte più o meno la stessa dimensione così da avere una cottura uguale per tutte le patate. Una volta cotte le vostre patate andranno lasciate da parte ad intiepidirsi per una decina di minuti e poi tagliate in superficie e scavate con un cucchiaino o con uno scavino così da creare una conca al centro. Fate attenzione a non scavare troppo sia in profondità che ai lati la vostre patate altrimenti gli fareste perdere robustezza e questa potrebbe rompersi durante la farcitura. A questo punto i funghi andranno privati delle parti terrose e delle radici, lavati accuratamente e poi ridotti in fettine. Lavare il radicchio e tagliarlo a striscioline. Prendete una padella antiaderente ben capiente, aggiungete uno spicchio d’aglio e dell’olio extravergine d’oliva e fate andare per qualche minuto. Quando l’aglio inizierà a dorarsi potete aggiungere i funghi champignon e il radicchio, aggiustare di sale e pepe e fare andare la cottura per una decina di minuti fino a quando i funghi saranno cotti e il radicchio ammorbidito. Tagliate la scamorza a cubetti.. All’interno di una ciotola aggiungete i funghi champignon, la polpa di patate prelevata e ridotta in piccoli tocchetti, i cubetti di scamorza  ed amalgamate per bene il tutto, aggiungendo se lo desiderate anche del prezzemolo finemente tritato. Riprendete le vostre barchette, aggiungete all’interno della conca realizzata prima il condimento così da creare una cupola e continuate in questo modo fino a quando avrete realizzato tutte le vostre patate ripiene. A questo punto le barchette di patate ai funghi andranno messe in forno preriscaldato a 180°C per all’incirca 20 minuti dopo essere state abbondantemente spolverizzate con abbondante emmental grattugiato. Una volta terminata la cottura le patate andranno servite ben calde così da risultare ben filanti ad appetitose.

Song: "No Reply" The Beatles

Finalmente torno a parlare dei miei amati Beatles: "Beatles For Sale" è stato il secondo album da loro pubblicato  nel 1964 e, dopo 3 album di  rock and roll dominato da canzoni d'amore, qui si ha un improvviso cambiamento..Il titolo "Beatles For Sale" è di per sé un’allusione neanche tanto velata alla loro  sovraesposizione e commercializzazione. Accanto a questo, la copertina mostra tutti i Beatles che guardano, per la prima volta senza sorriso,  la macchina fotografica, incappottati  in una fredda giornata autunnale. Lennon e McCartney scrivono solo 8 canzoni in questo album, mentre le restanti sei sono cover, il che sembra un passo indietro rispetto ad "A Hard Day's Night”, l’album in cui per la prima volta c’erano solo canzoni scritte da loro e nessuna cover. “ No Reply” apre l'album, in diretto contrasto con il rock n roll che aveva riempito questo posto in precedenza, ed è la prima storia completa scritta da Lennon in una canzone, mostrando una descrizione coinvolgente della narrativa degli album precedenti. " I'm a Loser" enfatizza ulteriormente l'espressione di vulnerabilità di Lennon e la sua ricerca di una scrittura lirica più sostanziale. Canta "Sono un perdente e non sono quello che sembra" esprimendo le sue insicurezze nonostante la fama e la popolarità. In seguito lo avrebbe chiamato il suo periodo Dylan in cui diceva "una parte di me sospetta che io sia un perdente e una parte di me pensa che io sia Dio Onnipotente”.  Lennon qui scopre la sua anima in modi non ascoltati prima. Il pessimismo è continuato con " Baby's in Black ", che si ipotizza essere su Astrid Kirchherr, la ragazza fidanzata con l'ex bassista del gruppo Stuart Sutcliffe, morto di un'emorragia cerebrale nel 1962, che parla del lutto di un amore perduto con molti riferimenti funebri ed è un punto fermo dell'album. Lennon / McCartney l'hanno scritta insieme e volevano un suono blues più maturo. Le armonie sono meravigliose e scorre splendidamente. Anche i testi tristi hanno avuto un effetto comico quando sono stati cantati dal vivo mentre le orde di ragazze urlavano il loro amore per i Beatles come supporto per questa canzone all'Hollywood Bowl. “I Don’t Want to Spoil the Party”  è un risveglio ad alta velocità in cui Lennon piange l'assenza di una ragazza che non partecipa a una festa, mentre lui vorrebbe  dichiararle il suo amore. Lennon canta con una fragilità nella sua voce raramente ascoltata e aggiunge al tema dell'amore non corrisposto che attraversa la maggior parte dell'album. Mentre adoro le canzoni originali dell'album, le cover stonano in questo album, soprattutto dato il tono più pacato dei pezzi Lennon/McCartney. Questa è la prima volta che è davvero notevole la differenza tra la qualità delle canzoni di Lennon / McCartney e quelle di altri artisti. Le cover sono praticamente tutte tiepide ma salvate da un'incredibile voce che mette in risalto come i Beatles stavano migliorando e diversificando il loro canto con ogni nuovo album. Ad esempio " Rock n Roll Music " ha una grande voce di Lennon ma non si avvicina all'originale di Chuck Berry e sembra proprio messa qui per riempire la quota di rock n roll necessaria. La cover di Little Richard “Kansas City/ Hey-Hey-Hey-Hey!” non mi piace proprio e quindi tralscio per passare a John Lennon che canta " Mr. Moonlight " di Roy Lee Johnson è spesso considerata una delle peggiori canzoni che i Beatles che abbiano mai registrato. Tuttavia a me piace tantissimo, soprattutto quando John canta freneticamente, “And the night you don’t come my way, I pray and pray more each day” è difficile non amare ogni singola parola. Nonostante l'enorme influenza di Buddy Holly sui Beatles, McCartney ha anche detto che li ha ispirati a scrivere le loro canzoni, " Words of Love " è l'unica cover di Holly che hanno pubblicato ed è una partenza divertente per ascoltare i Beatles affrontare una canzone vecchia scuola. George e Ringo cantano due  cover di Carl Perkins, per Harrison “Everybody’s trying to be my baby” che è l'esatto opposto del suo stile timido e introverso dei dischi precedenti, mentre arrogantemente e umoristicamente dichiara  “Went out last night, didn’t stay late, ‘fore I got home, I had nineteen dates." Anche se è una cover, è probabilmente una buona rappresentazione di come fosse la vita dei Beatles in quei giorni. Dopo essere stato assente alle sessioni  vocali in "A Hard Day's Night” a causa di una tonsillite, Ringo canta " Honey Do Not ". Mi piacciono molto le canzoni di Ringo, non sono mai il fiore all'occhiello di un album ma aggiungono sempre qualcosa. C'è qualcosa di divertente e interessante su Ringo, quindi questo ha certamente un fascino ed è la sua canzone migliore fino a questo momento." What You're Doing " è una canzone basata sui dubbi sulla relazione di McCartney con Jane Asher al tempo e ha una bizzarra disposizione lirica che suggerisce la futura sperimentazione  che tenterebbero in seguito. La canzone preferita di George Martin nell'album è " I'll Follow the Sun " di McCartney ed è adorabile. Scritta sorprendentemente presto quando Paul era ancora a scuola, suona come una versione meno matura di "Here Comes the Sun". ' Every Little Things She Does '  è una delle migliori canzoni d'amore dei Beatles, che ogni fan vorrebbe ballare al suo matrimonio..La canzone più famosa dell'album è chiaramente " Eight Days a Week ", il cui nome  viene da una conversazione con un tassista che descrive il suo intenso programma di lavoro a McCartney mentre si dirigevano verso la casa di Lennon. Avrebbero scritto la canzone immediatamente quel giorno dopo l'arrivo di Paul. Le canzoni di Lennon / McCartney su questo album sono fantastiche, sebbene i Beatles fossero esausti dopo un anno follemente impegnato e questo letargo si mostra leggermente nella scrittura. George Martin avrebbe commentato che  questo disco suona come una pausa, un improvviso respiro profondo prima di sprofondare nella folle corsa di materiale originale che produssero da qui in poi. E come al solito, aveva ragione.

Insalata multivitaminica.

L’insalata come piatto unico difficilmente si mangia in inverno, preferendo zuppe calde o piatti un po' più elaborati, che aiutino a sconfiggere il freddo..ma in queste ultime settimane ho accusato un calo di energia  e quindi mi è venuta voglia di preparare un piatto che concentrasse un buon numero di vitamine..e dove trovare le vitamine se non nella frutta e verdura cruda? Ho aggiunto a questa mega insalata del salmone crudo e dei semi oleosi, ottima fonte di omega 3 e la rapa rossa, ricca di sali minerali e di vitamina B.. e mentre la mangiavo mi ascoltavo questo fantastico disco..

Ingredienti:

• Insalata mista a vostra scelta
• 1 mango
• 1 avocado
• 1 cipolla rossa
• 1 arancia
• 1 mela
• q.b di sale
• q.b. di semi oleosi
• 1 fetta di salmone crudo
• 50 gr di semi di soia
• Semi di sesamo tostati
• 2 rapanelli
• 1 rapa rossa

Questa insalata è molto semplice da preparare ma la prima cosa da tenere in considerazione è la maturazione del mango e dell’avocado che può essere valutata solo dal tatto. Quindi scopriamo quando sono maturi solo palpandoli, quando sono morbidi e le dita quasi sprofondando nella buccia, allora si possono utilizzare.  Una volta capito il grado di maturazione dei due frutti bisogna pelarli, togliere il grosso nocciolo e tagliarli a pezzetti, poi metterli in una ciotola.  Tagliate la cipolla rossa di tropea a rondelle, la rapa e i rapanelli a fette , la mela  pezzetti e aggiungetela . Scolate i semi di soia dal liquido di conservazione e aggiungeteli all’insalata, assieme al salmone tagliato a cubetti. Cospargete con un pizzico di sale, una manciata di semi oleosi e semi di sesamo tostati,  un filo d’olio, aggiungete il succo del limone, mescolate il tutto e l’insalata multivitaminica è pronta!

Song: “Is This Love” Bob Marley

 Io ho due sorelle più grandi, che probabilmente non ne sono consapevoli, ma hanno il merito di avermi introdotta nel meraviglioso mondo dei vinili. I primi 45 giri li portavano loro a casa e io mi avvicinavo incuriosita per guardare le copertine e ascoltarne il contenuto. Quando è morto Bob Marley avevo 6 anni e ricordo mia sorella Rosanna chiusa in cameretta che ascoltava di continuo il 45 giri di “Could You be Loved”..qualche anno dopo, Daniela portò a casa il vinile di “The Legend” e insieme cantavamo “Is this love” grazie alla quale ho iniziato a capire quanto fosse facile imparare l’inglese ascoltando le canzoni che ti piacciono. Alla fine quei dischi li hanno regalati a me…A volte è facile pensare ai "più grandi successi" come solo un tentativo ingannevole da parte delle case discografiche di mungere il più denaro possibile dai musicisti. E in molti casi è probabilmente vero. Ma  se un artista ha creato canzoni abbastanza grandi per pensare di formare una collezione, ha senso celebrare il suo miglior lavoro in un album definitivo. E questo è certamente il caso di questa raccolta. Sia come parte dei Wailers originali, come artista solista o come frontman, Bob Marley è un musicista che trascende ogni limite del genere o del gusto musicale. E quella qualità trascendente si trasformò in successo commerciale con “The Legend” l'album reggae più venduto di tutti i tempi. Tuttavia la tracklist di Legend è stata pensata appositamente per attirare il pubblico bianco. La Island Records aveva considerato Marley un rivoluzionario politico e Robinson considerava questa prospettiva come dannosa per la linea di fondo del disco. Così ha costruito un album di grande successo che mostrava solo una faccia del prisma di Marley, la parte che riteneva più vendibile alla periferia. Quindi l’album sceglie  di concentrarsi sul "One Love" Marley, il Marley che predica la compassione per il suo prossimo mentre quasi ignora il politico Marley, che si occupava di curare le ingiustizie sociali e aiutare i poveri. Le canzoni provengono principalmente dal lavoro dell’artista con Island Records, il che non sorprende, dal momento che Island ha prodotto The Legend . Ma la carriera di Marley è molto più di questo; alcuni considerano i dischi che lui e gli Wailers hanno realizzato con il produttore giamaicano Lee "Scratch" Perry come il loro lavoro più avvincente. I due album, Soul Rebels (1970) e African Herbsman (1973), sono assenti da The Legend . Invece, l'album contiene cinque tracce da Exodus (1977), la scelta di consenso del mainstream per il più grande album dei Marley; due di Uprising (1980); uno da Confrontation  (1983); due di Kaya (1978); due da Burnin '(1973); una dal Live (1975), anche se la traccia "No Woman, No Cry" proviene dall'album Natty Dread del 1974 ; e uno da Catch a Fire (1973).  The Legend non è del tutto apolitico. "Buffalo Soldier", sebbene criptico, affronta la crudele tragedia degli schiavi neri portati in America solo per poi combattere contro altri popoli indigeni vittime di colonialisti europei, nativi americani. L'obiettivo esatto di "Get Up Stand Up" tratta dell'idea radicale e non rara che i proprietari di schiavi usassero il cristianesimo per pacificare gli africani catturati con promesse di un paradiso eterno nell'aldilà in cambio della cooperazione terrestre. È chiaramente presente nei testi, poiché Marley chiede che gli oppressi si concentrino sul miglioramento della loro situazione mentre vivono ancora, invece di aspettarsi la ricompensa ultraterrena. "Exodus" è l'ultima canzone che evoca la politica dell'album. C'è una frase, "Mandaci un altro fratello Mosè", per portare presumibilmente i giamaicani in Africa. E ancora in “Redemption Song” in cui esorta a emanciparsi dalla schiavitù mentale perchè “solo noi possiamo rendere libera la nostra mente”.  Cosa manca a questo album?  I primi suoni delle canzoni di Marley e dei Wailers registrati in Giamaica, così come le sue canzoni più esplicitamente politiche. Ma se stai cercando il richiamo del mercato di massa per un'America progressista laica, non includi canzoni che invocano il senso di colpa collettivo sulla tratta degli schiavi, né affronti la scomoda verità del bucolico stile di vita giamaicano del reggae, delle spiagge sabbiose e la marijuana abbracciata da milioni di matricole del college, esiste solo a causa del brutale commercio di schiavi. La realtà della politica di Bob Marley è complessa. Ma un aspetto è chiaro: le canzoni di The Legend offrono solo un breve sguardo nella sua musica. L'album definitivo del più importante cantante reggae di tutti i tempi è una raccolta di canzoni d'amore, sentimento di benessere e semplici accenni all'attivista infuocata la cui politica ha attirato pallottole negli anni '70. Non è necessariamente una brutta cosa. Le canzoni in questo album sono innegabilmente ottime, ma The Legend è uno sguardo incredibilmente incompleto sulla musica di Marley - un enorme successo nel vendere un rivoluzionario alle masse (più di 15 milioni di persone lo hanno comprato) ma forse un fallimento nel catturare ciò che ha reso davvero grande Marley.

Fagottini salmone, robiola e peperoni.

Questi fagottini di pasta sfoglia al salmone sono un antipasto veloce con un ripieno morbido e saporito. Il peperone grigliato si abbina molto bene al salmone e la robiola rende il tutto avvolgente al palato.

Ingredienti:
 (per 12 fagottini)

• 1 rotolo di sfoglia rettangolare
• 4 fette di salmone affumicato
• 50 gr di robiola
• prezzemolo 
• Un peperone rosso grigliato 
• pepe nero
• 1 uovo ( per spennellare)

Tagliate le fette di salmone affumicato e mettetele in una ciotola. Aggiungete la robiola, il peperone grigliato tagliato a cubetti il pepe nero macinato, il prezzemolo tritato. Mescolate e tenete da parte. Tagliate la pasta sfoglia in quadrati di circa 8 cm x 8 cm. Disponete 1 cucchiaino di farcia al centro di ogni quadrato. Chiudete ogni fagottino arrotolando le estremità dei 4 angoli della sfoglia. Spennellate la superficie con dell’uovo sbattuto. Infornate i fagottini in forno preriscaldato a 200 C per 15-20 minuti circa. I fagottini al salmone saranno pronti quando saranno dorati in superficie.

Song: " With A Little Help From My Friends" Joe Cocker

Joe Cocker era senza dubbio uno dei cantanti migliori tra la fine degli anni '60 e la metà degli anni '70. Oltre a quella voce ghignante e ricca di sentimento che spesso gli è valsa paragoni con Ray Charles, Cocker è stato forse il principale interprete delle canzoni di altri solisti del suo tempo. E va da sé che Cocker era un uomo che sapeva stare sul palco. Non si può distogliere lo sguardo da lui. Non stava solo davanti al microfono e cantava. No, si contorceva, gesticolava , ondeggiava, agitava le braccia in modo selvaggio, agitava le dita e in generale assomigliava a un uomo attaccato da uno sciame di vespe  impazzite. Cocker iniziò la sua carriera con gruppi sconosciuti come i Cavalier e Vance Arnold e gli Avengers, poi passò a The Grease Band nel 1966. Ma non passò molto tempo prima che iniziasse a registrare con il suo nome e poi si esibì a Woodstock in una delle performance più elettrizzanti del festival. In seguito è stato il front man del leggendario tour di Mad Dogs & Englishmen, che vantava più di 30 musicisti. Ma ciò che ha reso Cocker principalmente famoso erano le sue interpretazioni di canzoni di artisti come The Beatles, Dave Mason, Bob Dylan, Leonard Cohen, The Box Tops e Randy Newman, e innumerevoli altri - interpretazioni che spesso non stravolgevano gli originali. Sfortunatamente, Cocker era anche un alcolizzato, e le storie (non tutte vere) del suo salire sul palco, vomitare sul pubblico, e poi svenire sono tantissime.  Ho comprato questo disco (nonostante la foto di copertina assolutamente atroce) perché ho scoperto che tantissimi musicisti di altissimo livello si sono riuniti per realizzare l'album, inclusi Jimmy Page, Steve Winwood, Albert Lee, Matthew Fisher e BJ Wilson dei Procol Harum, Tony Visconti e due  grandi cantanti soul americane Merry Clayton e Madeline Bell. E questa è probabilmente la vera ragione per cui ho scelto di parlarvi questo particolare LP. L'apertura dell'album , la cover di Dave Mason "Feelin 'Alright" è uno dei brani più famosi di Cocker, e un funky rock'n'roller. Si apre con quel riff di pianoforte istantaneamente familiare di Artie Butler con maracas e tumba davvero fantastici. Poi Cocker arriva cantando e continua fino al coro  che presenta la chitarra di David Cohen e il back-up vocale delle Clayton e Holloway sister, Brenda e Patrice. Poi Butler suona un assolo unico, accompagnato da alcuni tamburi funkadelic di Paul Humphrey. E continua fino alla fine, quando Cocker fa uscire un paio di grandi strilli. "Bye Bye Blackbird" è un soul lento, con Cocker che tira fuori tutta la sua voce mentre Chris Stainton si getta al piano e Clem Cattini fa il suo dovere alla batteria. Il pezzo forte della canzone, a parte la voce soul di Cocker, è l'incredibile assolo di chitarra di Jimmy Page, che esce dal nulla e procede fino a farti venire i brividi. Cocker ha co-scritto "Change in Louise" con il pianista  Chris Stainton. Non è la migliore canzone dell'LP, ma vanta un coro caldo e Cocker diventa sempre più frenetico mentre la canzone va avanti e Stainton suona il piano da vero maestro, Henry McCullough si diletta su una chitarra sobria ma dolce, e le sorelle Wheetman forniscono la voce di supporto.  "Majorine" di Cocker e Stainton è la canzone che convince meno , in parte perché Cocker canta  con una strana voce acuta, e in parte perché la melodia non fa per me.  Cocker addolcisce "Just Like a Woman" di Bob Dylan, anche se io lo preferisco quando usa la sua voce in modo più arrabbiato.  "Sandpaper Cadillac" è l'ennesima composizione di Cocker-Stainton, e la voce di Cocker è tristemente trattenuta, di nuovo..e poi ancora l’ipnotica "Don't Let Me Be Misunderstood" di Nina Simone , forse uno dei brani che vanta il maggior numero di cover nel mondo ( la mia preferita resta quella degli Animals). "I Shall Be Released" con un meraviglioso Stewie Winwood all'organo . Ma "With a Little Help From My Friends" è sicuramente la mia interpretazione preferita. È una meraviglia, davvero:  Cocker e company trasformano quella che è essenzialmente una piacevole canzoncina in un'opera rock in piena regola. Si apre con un organo di Tommy Eyre, un violento crash di piatti di BJ Wilson e un riff di chitarra molto cool di Page. Poi si acquieta e Cocker canta quelle parole immortali, " What would you do if I sang out of tune? Would you stand up and walk out on me?" Poi arriva il potente coro, con Bell, Hightower e le sorelle Wheetman che  si uniscono al secondo verso quando fanno le domande “Does it worry you to be alone?” E lui risponde “No no”. Page suona un gigantesco riff di chitarra e i back-up si lamentano e Joe piange proprio insieme a loro. E la dinamica soft-loud continua con il forte predominio fino a quando Cocker scoppia in un urlo potente e la canzone diventa sempre più forte.., è una canzone incredibile, solo per questa è valsa la pena comprare l’album. Purtroppo Cocker alla fine ha scelto di abbandonare il rock  , sprecando il suo vasto talento su melassa pop. Ma ciò che conta è il Cocker nei suoi primi album , quel Joe Cocker che ha fatto esplodere Woodstock, che aveva una voce che poteva scuotere il mondo e ha avuto molto aiuto dai suoi amici. Se le sue interpretazioni su "The Weight" e "Feelin 'Alright" e "Let It Be" e "Let's Go Get Stoned" e "The Letter" e "Hitchcock Railway" non vi fanno venir voglia di urlare da quanto sono esplosive, c’è qualcosa che non va dentro alle tue orecchie!

Risotto al radicchio, nocciole e gorgonzola.

La settimana scorsa ho avuto a cena due carissimi amici e la loro bambina e ho cucinato per loro un risotto con radicchio, nocciole e taleggio: saporito, molto cremoso e con una nota croccante e tostata data dalle nocciole .Gorgonzola, radicchio e nocciole sono tre gusti che si abbinano davvero bene tra loro e data la presenza di un formaggio sufficientemente grasso, questa volta ho deciso di evitare la mantecatura del riso con burro e parmigiano.

Ingredienti

• 280 g di riso superfino
• 250 g di radicchio
• 80 g di gorgonzola
• 100 g di nocciole
• 20 g di burro
• 100 ml di vino bianco
• mezza cipolla
• brodo vegetale q.b.

Lavate il radicchio e private le foglie della parte bianca, più amara. Tritate le nocciole, tranne qualcuna per decorare, e tenetele da parte: volendo potete usare della granella di nocciole. In una casseruola fate rosolare la cipolla tritata finemente insieme al burro per qualche minuto. Unite il radicchio e fate appassire per 3-4 minuti mescolando. Unite il riso e le nocciole tritate, alzate la fiamma e fate tostare per un minuto poi sfumate con il vino bianco lasciandolo evaporare completamente. Aggiungete due mestoli di brodo e fate cuocere il riso aggiungendo altro brodo quando sarà stato assorbito. A metà cottura unite anche le nocciole intere. Appena il riso sarà al dente, spegnete la fiamma e unite il gorgonzola mescolando  per farlo sciogliere e mantecare. Fate riposare un paio di minuti con il coperchio e servite il risotto con radicchio, nocciole e gorgonzola ben caldo.

Song: "Will You Still Love Me Tomorrow" Amy Whinehouse

Durante le vacanze di natale la mia amica Laura mi ha chiamata dicendomi : “Vieni a casa mia, ti devo fare ascoltare un disco”. Seduta sul divano, mi ha messo un bicchiere di vino rosso in mano e ha messo sul piatto “Lioness”,   album postumo di Amy Winehouse. Laura mi conosce bene e sapeva che avrebbe centrato il bersaglio: Lioness un disco triste ma al contempo molto bello, che mette a nudo ciò che  ha reso Amy Winehouse un artista così unica e così travagliata. Contiene un sacco di brani inediti, demo, cover e schizzi di canzoni, queste registrazioni si ascoltano come un pugno nello stomaco. Ti ricordano, prima di tutto, quella voce , una delle impronte vocali più immediatamente riconoscibili della musica pop, un suono che balzò fuori dagli altoparlanti e ti afferrò per le orecchie. Qui, come sempre, il canto di Amy Winehouse è al tempo stesso raggiante e drammatico, ammiccante e indifferente, pieno di alto dramma e una spensierata sensazione di gioco , a volte tutte queste cose allo stesso tempo. Le canzoni su Lioness sono state selezionate e prodotte da Salaam Remi, che ha lavorato con lei nel suo album di debutto Frank (2002) e nel successivo Back to Black (2009) e che era in attesa di produrre il suo terzo album. Remi sostiene di aver trascorso solo due settimane dalla morte della star 27enne "toccando le cose, aggiungendo alcune corde" alle 12 tracce che sono state registrate tra il 2002 e il marzo del 2011. Voleva chiaramente che i fan sentissero che la musica è cruda e "autenticamente Amy" , anche se in realtà molti dei brani scelti furono scartati al tempo delle registrazioni dalla stessa Winehouse. Amy ha sempre descritto se stessa come "una cantante jazz" ed è un piacere sentirla cantare il suo mondo attraverso stati d'animo e melodie, abbozzare le voci, anche quando le canzoni non convincono completamente. Il cantato delizioso in "Our Day Will Come", una rielaborazione reggae di una brano doo-wop, registrato nel 2002, o ascoltare "Half Time",  con la  Winehouse che evoca l'atmosfera della domenica mattina, con la luce che oscilla attraverso le tapparelle  su un sensuale groove jazz-soul degli anni '70 e ancora sentirla cantare una delle mie canzoni preferite “"Will You Still Love Me Tomorrow" delle Shirelles, mi ha regalato vere emozioni. Poi c'è "Between the Cheats", dai tentativi abortiti di Amy Winehouse di registrare un terzo album con il produttore Salaam Remi nel 2008. Una ballata di 6/8 R & B vecchio stile, che  distilla perfettamente il matrimonio tra lo stile soul classico e lo stile unico della cantante..poi arriva Valerie, uno dei preferiti del jukebox di Amy, la versione originale del tempo più lento del singolo post Back to Black di Mark Ronson e ancora “The Girl from Ipanema,  la prima canzone che la diciottenne Amy ha cantato quando è andata a Miami per registrare con Remi. Meno divertenti e meno perdonabili sono alcuni dei "tocchi" di produzione di Remi, in particolare una dissolvenza vocale nella demo del 2006 Wake Up Alone  e una canzone del rapper americano Nas su un canzone altrimenti adorabile se vocalmente indistinta, Like Smoke. Amy Winehouse era un talento in formazione: il suo album di debutto, Frank (2003), era promettente ma imperfetto: il suo accattivante mix di brasserie londinesi e pop era minato dal suo modo di cantare eccessivamente educato e da un insicuro tocco di songwriting. Con Back to Black (2006), con l'aiuto del produttore Mark Ronson e di una pila di vecchi 45 giri degli Shangri-Las ha registrato canzoni bellissime , divertenti , “piene” sull'amore e la dipendenza. Ma lei stava ancora trovando la sua strada come cantante e cantautrice quando morì. Su Lioness, ci sono affascinanti richiami su ciò che è stato.. Ma è difficile non credere che Amy Winehouse sia morta con il suo miglior lavoro di fronte a lei. Non sentiremo mai i dischi che avrebbe potuto cantare e questo fa male al cuore. 

Linguine con broccoli e bottarga

Mare e terra si uniscono in questo primo piatto molto facile da realizzare: il sapore deciso della bottarga si sposa alla perfezione con quello dei broccoli, regalandoci un connubio perfetto!

Ingredienti:

• 300 g di linguine 
• 350 g di broccoli 
• Olio extravergine di oliva
•  1 spicchio d'aglio 
•  Peperoncino
• Bottarga di muggine grattugiata 

In un'ampia padella fate un soffritto di olio, aglio e peperoncino. Separate le cimette dei broccoli e uniteli in padella. Fate cuocere i broccoli per 10 minuti, allungando con un po' di acqua di cottura della pasta. Nel frattempo cuocete in acqua bollente salata la pasta. Scolate la pasta al dente e versatela in padella con il sugo di broccoli. Aggiungete la bottarga di muggine grattugiata. Mescolate bene e servite.

Song: "Baba O' Riley" The Who

Una foto con i nostri 4 eroi che hanno appena finito di urinare addosso a un grande monolite, Ecco la copertina dell'album rock più completo della storia. Who's Next ha praticamente tutto quello che un fan del rock classico può desiderare in un album. Ha un sacco di riff di potenza a tre accordi, ballate di piano melodico, innovazione tecnologica all'avanguardia, performance virtuosistiche, potenza pura, accessibilità, profondità, messaggio, inni, un buon equilibrio tra acustico ed elettrico, e un equilibrio ancora più bello tra elettronica e analogica . In totale, questo album di The Who è  selvaggiamente divertente e raggiunge il suo picco assoluto proprio alla fine. Quel momento in "Won't Get Fooled Again", creato dal synth all'avanguardia, che culla l'ascoltatore facendogli credere che l'album è finito e svanirà. Ma poi arriva qualche colpo di batteria (e con Keith Moon "pochi" sono forse 20 o 30), che si basano su una drammatica re-introduzione e l' urlo di Rodger Daltry . Who's Next è pura autenticità. È completamente inconsapevole di se stesso, costruito totalmente sull'energia cinetica del momento, non è né calcolato né artificioso. Questo è abbastanza ironico quando messo alla luce di come Who's Next è arrivato in realtà; l'album deriva da un'idea di "concept album" del chitarrista  Pete Townshend . Il titolo di quest’opera  doveva essere Lifehouse , e iniziarono a lavorarci nel 1970 come seguito dell'opera rock del 1969, Tommy . Il concetto in sé era futuristico e lontano, tant'è vero che nessun altro nel gruppo l'ha "capito". Ciò provocò molto attrito e, secondo Townshend stesso, lo portò sull'orlo del suicidio. Dopo aver rinunciato a registrare alcuni dei brani di Lifehouse a New York, gli Who tornarono a Londra per ricominciare con un nuovo produttore, Glyn Johns . Tuttavia, molti elementi di Lifehouse persistevano attraverso questo nuovo progetto. Nessuno più del pesante uso di sintetizzatori di Townshend. L'album inizia con una canzone con un nome strano e uno strano suono. "Baba O'Riley" è un nome ibrido, derivato dai nomi di un guru e di un amico, che inizia con quello che doveva essere stato un suono così strano per gli ascoltatori nel 1971. Si tratta di un organo alimentato tramite un sintetizzatore VCS3, riprodotto fisicamente di Townshend, per inventare questi strani, ma interessanti modelli rotanti. Finalmente si interrompe con il semplicistico riff di due accordi - sul piano, poi sul basso rispetto alla chitarra - che domina la canzone, ma fa tanto per tenere insieme quello che è oggi un inno molto familiare con il tema centrale di "Teenage Wasteland". La canzone culmina con un assolo di violino da parte dell'ospite Dave Arbus , con un ritmo costruttivo alle spalle che si trasforma in una frenesia prima di arrivare a una conclusione climatica con una singola nota. Tutte le canzoni sono state scritte da Townshend ad eccezione di "My Wife", scritta e cantata dal bassista John Entwistle , una canzone comica che include alcuni pezzi di ottone suonati da Entwistle. La canzone è rara in quanto la linea dei bassi è quasi normale, ma questo è facilmente accentuato dalla frenesia del drumming di Moon. Uno dei lasciti più unici e accattivanti degli Who, è l'uso frequente della band di due vocalist principali (Daltry & Townshend) all'interno di una singola canzone. È una tattica brillante che trasforma l'umore e il temperamento. Questo cambiamento è particolarmente drammatico in "The Song Is Over", che alterna tra una ballad Townshend e il maestoso  Daltry. Il resto dell'album è pieno di canzoni divertenti e pop-oriented. "Bargain" contiene alcuni piacevoli motivi per chitarra e synth costruiti su un riff acustico. "Going Mobile" ha un'epoca di Woodstock, viaggiando nell'atmosfera di campagna e un assolo di synth esclusivo. "Love Is not for Keeping" contiene armonie e (senza fiato) quasi una percussione dal ritmo lineare, mentre le ballate "Getting 'In Tune" e "Behind Blue Eyes" contengono entrambe alcune sezioni di ponti drammatiche e teatrali. Il che ci riporta a "Won't Get Fooled Again", che inizia goffamente nel primo secondo, ma non c'è un altro momento incerto per il resto di questo inno di 8 minuti e mezzo. Quello che è iniziato come un "piano B" dopo che un progetto frustrante e fallito è stato trasformato in oro puro dalla band che non ha mai evitato di correre rischi in questo album. Di conseguenza, gli Who hanno scolpito un accordo che risuona ancora oggi, quarant'anni dopo. Non ho dubbi che continuerà a farlo tra altri quarant'anni.

Insalata di avocado e pompelmo rosa.

Domani è l'ultimo dell'anno e molti di voi saranno alle prese con la preparazione della cena per aspettare la mezzanotte con gli amici, per questo motivo per questa ultima ricetta dell'anno ho pensato ad un antipasto velocissimo per aprire le danze ai festeggiamenti per il nuovo anno..vi auguro un 2019 pieno di bellezza, musica e...cibo!

Ingredienti:

• 2 avocado maturi
• 1 pompelmo rosa
• 300 gr di polpa di granchio precotta
• olio extravergine d'olova
• sale, pepe
• succo di limone

. Tagliare a metà gli avocado ed estrarre il seme centrale. Per evitare che si ossidino, bagnare subito la polpa con circa la metà del succo di limone. Eliminare la buccia con un coltello e tagliare gli avocado a strisce, tagliare la polpa di granchio a fettine. Sbucciare e tagliare in piccoli pezzi il pompelmo rosa. Comporre l'insalata e condirla con olio extravergine d'oliva, sale e pepe.

Song: "Space Oddity" David Bowie

Space Oddity è un pezzo importante nel puzzle  che è la discografia di David Bowie. Attraverso gli anni '70,  Bowie costruì la sua leggenda su una parata di cambiamenti di personalità e di accorgimenti stilistici accorti. Ma le sue prime incursioni della fine degli anni '60 nell'industria musicale dimostrano che c'è una linea sottile tra "camaleontico" e "indeciso": nei suoi primi anni, Bowie provò a fare il suo nome in vari modi come un mod bluesman, un folksinger tradizionale e, nel suo debutto omonimo del 1967, un dandy da music-hall. Ironia della sorte, è stata una canzone apparentemente più suscettibile a una breve durata di una novità che si rivelerà essere il suo primo lavoro duraturo: il singolo del 1969 "Space Oddity", che, naturalmente, ha inciso sullo stesso titolo di Stanley Kubrick blockbuster del giorno, e fu casualmente tempificato per corteggiare una popolazione  ancora in fermento dall’ atterraggio lunare. Lo stratagemma non ha dato i suoi frutti, anche se il singolo "Space Oddity" ha scalato la Top 5 britannica, il secondo album su cui è apparso è stato un flop , poiché gli sforzi per stabilire il marchio David Bowie hanno portato a una confusa strategia pubblicitaria per la sua uscita. La sua etichetta britannica, Phillips, pubblicò l'album in Gran Bretagna come David Bowie (diventando il suo secondo album omonimo), mentre i suoi benefattori statunitensi della Mercury lo battezzarono con un titolo veramente bruttarello : Man of Words / Man of Music. Alla fine fu scelto “Space Oddity”, in onore del singolo.  Questo album rappresenta il vero primo capitolo di una brillante carriera e l'alba del fruttuoso rapporto di collaborazione di Bowie con il produttore Tony Visconti. La title track ha aperto praticamente ogni compilation di note di Bowie greatest-hits, e giustamente ;" Space Oddity "è davvero un capolavoro, uno che ha essenzialmente plasmato la carriera di Bowie per i suoi successi futuri. E’ un capolavoro di atmosfera e dinamica. Proprio da quelle famose prime parole "Ground control to Major Tom", questa affascinante storia di un astronauta immaginario e dei suoi viaggi nello spazio è in un campionato a parte. La splendida orchestrazione di mellotron (per gentile concessione del tastierista di Yes Rick Wakeman), è stato lo strumento perfetto per creare un'atmosfera ampia e più grande della vita accanto al ritmo lento della ballad. Il flauto profondamente emotivo e le parti di chitarra elettrica sono solo ciliegina sulla torta, come sono le pause propulsive della chitarra acustica.  Ma se la canzone radicalmente reinventa Bowie come un folclore di fantascienza - servendo da intermediario tra l'idealismo hippie degli anni '60 e la disillusione dei primi anni '70 - con poche eccezioni, il resto di Space Oddity non è così ansioso di sperimentare nuove vie musicali. C'è  il ritorno al primo album di David Bowie, specialmente negli stili vocali e nel flauto stravagante che popola "An Occasional Dream", ma tutto ciò colpisce ancora l'ascoltatore con molta più finezza e grazia della sfacciata stranezza del precedente. I momenti orchestrali completano le canzoni e si fondono con loro in modo molto più fluido, in particolare su "Wild Eyed Boy di Freecloud" in cui le corde e l'arpa si fondono con la chitarra acustica in qualcosa che sembra sia drammatico che di buon gusto. “Letter to Hermione” è secondo me il miglior brano del disco, ed ha  il dono  di condensare una intera storia d’amore in appena due minuti e trentasei secondi. Istanti di pentagrammi in cui viene acquerellato un senso d’impotenza, fragilità, consapevolezza ed agonia ai quali altrimenti non basterebbe la carta e l’inchiostro per seicento pagine per potersi esprimere degnamente. Forse è dovuto alla voce dolce di Bowie combinata con gli accordi di chitarra onirici, ma c'è un potere strano nella canzone. E parlando di "sbiaditi", i fantastici momenti folcloristici di "Unwashed and Someewhat Slightly Dazed" spesso generano la stessa sensazione, tranne che in questo caso si incontra con blues hard rock che mostrano la varietà nella voce di Bowie. E’ come se il disco fosse diviso in due: la parte tendente all’acustico respira le contaminazioni di un Bob Dylan come se cantasse con i Beatles, in cui inizia a prendere forma quel cantato squillante che sarebbe divenuto successivamente un trademark dell’artista. Dall’altro canto, marcatamente presente è l’influenza della scena di Canterbury negli arrangiamenti orchestrali/tastieristici, che spesso appesantiscono i pezzi o addirittura tendono a rubare la scena. Rispetto agli album che arriveranno nel decennio successivo, sarebbe più opportuno parlare di una raccolta di canzoni nate in un intervallo temporale biennale, con fortune alterne. Ma raramente il duca è riuscito ad essere così sintetico e nudo nel corso della sua intera carriera. Perché infondo è un disco assolutamente schietto, lievemente immaturo, il che non sempre è da constatare come un difetto. Fotografa un attimo irripetibile del suo cammino artistico, una tappa irrinunciabile per contestualizzare la discografia più che il periodo storico di cui fa parte.

Riso basmati con mazzancolle e cavolo romanesco.

Questa domenica vi regalo un risotto dal sapore fresco e delicato, perfetto da abbinare con un bicchiere di prosecco e con un disco bellissimo!

Ingredienti:

• 320 g Riso Basmati 
• 3 Cipollotti 
• 5 pomodorini pachino
• 1 Cavolo romanesco.
• 300 gr mazzancolle
• 2 patate americane
• Zenzero In Polvere (1/2 cucchiaino)
• Olio Extravergine D’oliva
• 1 litro di brodo vegetale
• Sale

Eliminare la parte verde e gli strati più esterni dei cipollotti e tagliarli a julienne. Tagliare il cavolo mantenendone le cimette intere. Pelare le patate americane e tagliarle a fettine sottili. Tagliare i pomodori in 4 spicchi. Ripulire le mazzancolle da testa, coda e carapace. Mettere un filo d’olio in un wok e, quando è ben caldo, aggiungere il cipollotto e lo zenzero in polvere. Far saltare qualche minuto, poi aggiungere il cavolo,le patate i gamberi i pomodori e il riso.  Ricoprire il tutto con brodo vegetale, coprire e far cuocere per 10 minuti. Controllare ogni tanto la cottura. Spegnere il fuoco e servire.

Song:"Sunshine of Your Love" Cream

Il primo "super gruppo" del rock, il trio britannico Cream, è stato insieme  per alcuni anni alla fine degli anni '60 con solo quattro album al loro attivo. Tuttavia, hanno lasciato una forte eredità e gettato un'enorme ombra di influenza sul genere che divenne noto come rock classico. Disraeli Gears del 1967, fondeva i generi fondamentali del jazz e del blues con una pesante dose di pop anni '60 e solo un tocco di eleganza psichedelica. L'album fu anche la svolta americana per la band, raggiungendo il numero 4 nelle classifiche e elevando la popolarità di Cream al livello superiore tra i loro contemporanei nella "seconda invasione britannica". Il bassista e cantante principale Jack Bruce si è formato in modo classico e ha suonato nella band di Manfred Mann insieme a varie band jazz con il batterista Ginger Baker prima della formazione di Cream nel 1966. Il chitarrista Eric Clapton era già una "leggenda" nel Regno Unito (ma Disraeli Gears lo presentò a una vasta parte del pubblico americano), ed è stato incoraggiato dalla direzione dell'Atlantic Records a diventare il "front man" della band. Clapton ha iniziato a cantare le voci soliste in alcune canzoni, ma si è accontentato di lasciare la maggior parte di questi doveri a Bruce. L'album fu registrato a New York nel maggio del 1967 e prodotto da Felix Pappalardi , che ha anche co-scritto un paio di brani insieme a sua moglie Gail Collins . La compagnia discografica rimase delusa per la mancanza di successo in america di Fresh Cream e aveva richiesto alla band di registrare un disco  a New York in modo che i loro "migliori ragazzi" potessero supervisionare direttamente le sessioni. Pappalardi ha aiutato a portare la canzone della band in un regno più "moderno" mantenendo il cuore del blues. Il disco inizia con "Strange Brew", una delle canzoni più popolari dell'album che è stata costruita in un modo davvero unico. La canzone era originariamente chiamata "Lawdy Mama", una canzone di blues che si è evoluta da un riff di Buddy Guy convertito da casuale a tempo normale. Pappalardi e Collins presero una registrazione di una performance dal vivo della canzone e sovrapposero una melodia pop con nuovi testi influenzati dalla psichedelia, rendendo la canzone una "strana miscela" di pop e pure blues. Un altro mix molto interessante arriva nella canzone "World Of Pain", che inizia come una ballata di stile degli anni Cinquanta ma con interessanti bass progressive e wah-wah, prima di entrare in un groove sixties più armonizzato nel coro. "Dance the Night Away" è guidato da un riff rigoglioso a 12 corde accompagnato da una melodia influenzata dalla musica folk, voci armonizzate e testi mistici. Questo potrebbe essere il vagabondaggio più lontano della band dal loro nucleo blues. Il rovescio della medaglia, "Sunshine Of Your Love" è l'innegabile inno rock dall'album. È stato scritto da Clapton e Bruce insieme al poeta Pete Brown ed è guidato da un  riff di 10 note che è diventato uno dei più riconoscibili nella storia del rock. Questo riff è stato originariamente sviluppato da Bruce dopo aver visto la Jimi Hendrix Experience per la prima volta a Londra. Il secondo lato dell'album inizia con "Tales Of Brave Ulysses", con testi ispirati a Homer's Odyssey scritti dall'artista Martin Sharp . Questa narrazione melodrammatica si alterna tra parti vocali calme e minimaliste e jam musicali più frenetiche. Clapton ha fuso una canzone uptempo a cui stava lavorando ispirandosi a "Summer in the City" di Lovin 'Spoonful' con la lenta progressione del basso di Bruce, rendendo l'effetto complessivo davvero unico.
"SWLABR" è una canzone divertente con i testi di Brown, che mette a confronto una donna con la "Monna Lisa", solo per dipingere liricamente la sua immagine . "Outside Woman Blues" è una canzone blues standard scritta negli anni '20, che Clapton ha aggiornato con un arrangiamento leggermente rock-oriented. L'album si conclude con un paio di brani insoliti - "Take It Back", che presenta Bruce in armonica, e "Mother's Lament", una vecchia canzone da music hall che presenta un'armonia in tre parti di tutti i membri della band.
Fresh Cream aveva un suono molto diretto, muscoloso e funky in un momento in cui le tendenze si muovevano verso i paesaggi sonori più artistici dell '"estate dell'amore". Con l'uscita di Disraeli Gears nel novembre del 1967, i Cream diventano una band pronta per cavalcare il grande momento ed entrare nella storia.