Insalata di avocado e pompelmo rosa.

Domani è l'ultimo dell'anno e molti di voi saranno alle prese con la preparazione della cena per aspettare la mezzanotte con gli amici, per questo motivo per questa ultima ricetta dell'anno ho pensato ad un antipasto velocissimo per aprire le danze ai festeggiamenti per il nuovo anno..vi auguro un 2019 pieno di bellezza, musica e...cibo!

Ingredienti:

• 2 avocado maturi
• 1 pompelmo rosa
• 300 gr di polpa di granchio precotta
• olio extravergine d'olova
• sale, pepe
• succo di limone

. Tagliare a metà gli avocado ed estrarre il seme centrale. Per evitare che si ossidino, bagnare subito la polpa con circa la metà del succo di limone. Eliminare la buccia con un coltello e tagliare gli avocado a strisce, tagliare la polpa di granchio a fettine. Sbucciare e tagliare in piccoli pezzi il pompelmo rosa. Comporre l'insalata e condirla con olio extravergine d'oliva, sale e pepe.

Song: "Space Oddity" David Bowie

Space Oddity è un pezzo importante nel puzzle  che è la discografia di David Bowie. Attraverso gli anni '70,  Bowie costruì la sua leggenda su una parata di cambiamenti di personalità e di accorgimenti stilistici accorti. Ma le sue prime incursioni della fine degli anni '60 nell'industria musicale dimostrano che c'è una linea sottile tra "camaleontico" e "indeciso": nei suoi primi anni, Bowie provò a fare il suo nome in vari modi come un mod bluesman, un folksinger tradizionale e, nel suo debutto omonimo del 1967, un dandy da music-hall. Ironia della sorte, è stata una canzone apparentemente più suscettibile a una breve durata di una novità che si rivelerà essere il suo primo lavoro duraturo: il singolo del 1969 "Space Oddity", che, naturalmente, ha inciso sullo stesso titolo di Stanley Kubrick blockbuster del giorno, e fu casualmente tempificato per corteggiare una popolazione  ancora in fermento dall’ atterraggio lunare. Lo stratagemma non ha dato i suoi frutti, anche se il singolo "Space Oddity" ha scalato la Top 5 britannica, il secondo album su cui è apparso è stato un flop , poiché gli sforzi per stabilire il marchio David Bowie hanno portato a una confusa strategia pubblicitaria per la sua uscita. La sua etichetta britannica, Phillips, pubblicò l'album in Gran Bretagna come David Bowie (diventando il suo secondo album omonimo), mentre i suoi benefattori statunitensi della Mercury lo battezzarono con un titolo veramente bruttarello : Man of Words / Man of Music. Alla fine fu scelto “Space Oddity”, in onore del singolo.  Questo album rappresenta il vero primo capitolo di una brillante carriera e l'alba del fruttuoso rapporto di collaborazione di Bowie con il produttore Tony Visconti. La title track ha aperto praticamente ogni compilation di note di Bowie greatest-hits, e giustamente ;" Space Oddity "è davvero un capolavoro, uno che ha essenzialmente plasmato la carriera di Bowie per i suoi successi futuri. E’ un capolavoro di atmosfera e dinamica. Proprio da quelle famose prime parole "Ground control to Major Tom", questa affascinante storia di un astronauta immaginario e dei suoi viaggi nello spazio è in un campionato a parte. La splendida orchestrazione di mellotron (per gentile concessione del tastierista di Yes Rick Wakeman), è stato lo strumento perfetto per creare un'atmosfera ampia e più grande della vita accanto al ritmo lento della ballad. Il flauto profondamente emotivo e le parti di chitarra elettrica sono solo ciliegina sulla torta, come sono le pause propulsive della chitarra acustica.  Ma se la canzone radicalmente reinventa Bowie come un folclore di fantascienza - servendo da intermediario tra l'idealismo hippie degli anni '60 e la disillusione dei primi anni '70 - con poche eccezioni, il resto di Space Oddity non è così ansioso di sperimentare nuove vie musicali. C'è  il ritorno al primo album di David Bowie, specialmente negli stili vocali e nel flauto stravagante che popola "An Occasional Dream", ma tutto ciò colpisce ancora l'ascoltatore con molta più finezza e grazia della sfacciata stranezza del precedente. I momenti orchestrali completano le canzoni e si fondono con loro in modo molto più fluido, in particolare su "Wild Eyed Boy di Freecloud" in cui le corde e l'arpa si fondono con la chitarra acustica in qualcosa che sembra sia drammatico che di buon gusto. “Letter to Hermione” è secondo me il miglior brano del disco, ed ha  il dono  di condensare una intera storia d’amore in appena due minuti e trentasei secondi. Istanti di pentagrammi in cui viene acquerellato un senso d’impotenza, fragilità, consapevolezza ed agonia ai quali altrimenti non basterebbe la carta e l’inchiostro per seicento pagine per potersi esprimere degnamente. Forse è dovuto alla voce dolce di Bowie combinata con gli accordi di chitarra onirici, ma c'è un potere strano nella canzone. E parlando di "sbiaditi", i fantastici momenti folcloristici di "Unwashed and Someewhat Slightly Dazed" spesso generano la stessa sensazione, tranne che in questo caso si incontra con blues hard rock che mostrano la varietà nella voce di Bowie. E’ come se il disco fosse diviso in due: la parte tendente all’acustico respira le contaminazioni di un Bob Dylan come se cantasse con i Beatles, in cui inizia a prendere forma quel cantato squillante che sarebbe divenuto successivamente un trademark dell’artista. Dall’altro canto, marcatamente presente è l’influenza della scena di Canterbury negli arrangiamenti orchestrali/tastieristici, che spesso appesantiscono i pezzi o addirittura tendono a rubare la scena. Rispetto agli album che arriveranno nel decennio successivo, sarebbe più opportuno parlare di una raccolta di canzoni nate in un intervallo temporale biennale, con fortune alterne. Ma raramente il duca è riuscito ad essere così sintetico e nudo nel corso della sua intera carriera. Perché infondo è un disco assolutamente schietto, lievemente immaturo, il che non sempre è da constatare come un difetto. Fotografa un attimo irripetibile del suo cammino artistico, una tappa irrinunciabile per contestualizzare la discografia più che il periodo storico di cui fa parte.

Riso basmati con mazzancolle e cavolo romanesco.

Questa domenica vi regalo un risotto dal sapore fresco e delicato, perfetto da abbinare con un bicchiere di prosecco e con un disco bellissimo!

Ingredienti:

• 320 g Riso Basmati 
• 3 Cipollotti 
• 5 pomodorini pachino
• 1 Cavolo romanesco.
• 300 gr mazzancolle
• 2 patate americane
• Zenzero In Polvere (1/2 cucchiaino)
• Olio Extravergine D’oliva
• 1 litro di brodo vegetale
• Sale

Eliminare la parte verde e gli strati più esterni dei cipollotti e tagliarli a julienne. Tagliare il cavolo mantenendone le cimette intere. Pelare le patate americane e tagliarle a fettine sottili. Tagliare i pomodori in 4 spicchi. Ripulire le mazzancolle da testa, coda e carapace. Mettere un filo d’olio in un wok e, quando è ben caldo, aggiungere il cipollotto e lo zenzero in polvere. Far saltare qualche minuto, poi aggiungere il cavolo,le patate i gamberi i pomodori e il riso.  Ricoprire il tutto con brodo vegetale, coprire e far cuocere per 10 minuti. Controllare ogni tanto la cottura. Spegnere il fuoco e servire.

Song:"Sunshine of Your Love" Cream

Il primo "super gruppo" del rock, il trio britannico Cream, è stato insieme  per alcuni anni alla fine degli anni '60 con solo quattro album al loro attivo. Tuttavia, hanno lasciato una forte eredità e gettato un'enorme ombra di influenza sul genere che divenne noto come rock classico. Disraeli Gears del 1967, fondeva i generi fondamentali del jazz e del blues con una pesante dose di pop anni '60 e solo un tocco di eleganza psichedelica. L'album fu anche la svolta americana per la band, raggiungendo il numero 4 nelle classifiche e elevando la popolarità di Cream al livello superiore tra i loro contemporanei nella "seconda invasione britannica". Il bassista e cantante principale Jack Bruce si è formato in modo classico e ha suonato nella band di Manfred Mann insieme a varie band jazz con il batterista Ginger Baker prima della formazione di Cream nel 1966. Il chitarrista Eric Clapton era già una "leggenda" nel Regno Unito (ma Disraeli Gears lo presentò a una vasta parte del pubblico americano), ed è stato incoraggiato dalla direzione dell'Atlantic Records a diventare il "front man" della band. Clapton ha iniziato a cantare le voci soliste in alcune canzoni, ma si è accontentato di lasciare la maggior parte di questi doveri a Bruce. L'album fu registrato a New York nel maggio del 1967 e prodotto da Felix Pappalardi , che ha anche co-scritto un paio di brani insieme a sua moglie Gail Collins . La compagnia discografica rimase delusa per la mancanza di successo in america di Fresh Cream e aveva richiesto alla band di registrare un disco  a New York in modo che i loro "migliori ragazzi" potessero supervisionare direttamente le sessioni. Pappalardi ha aiutato a portare la canzone della band in un regno più "moderno" mantenendo il cuore del blues. Il disco inizia con "Strange Brew", una delle canzoni più popolari dell'album che è stata costruita in un modo davvero unico. La canzone era originariamente chiamata "Lawdy Mama", una canzone di blues che si è evoluta da un riff di Buddy Guy convertito da casuale a tempo normale. Pappalardi e Collins presero una registrazione di una performance dal vivo della canzone e sovrapposero una melodia pop con nuovi testi influenzati dalla psichedelia, rendendo la canzone una "strana miscela" di pop e pure blues. Un altro mix molto interessante arriva nella canzone "World Of Pain", che inizia come una ballata di stile degli anni Cinquanta ma con interessanti bass progressive e wah-wah, prima di entrare in un groove sixties più armonizzato nel coro. "Dance the Night Away" è guidato da un riff rigoglioso a 12 corde accompagnato da una melodia influenzata dalla musica folk, voci armonizzate e testi mistici. Questo potrebbe essere il vagabondaggio più lontano della band dal loro nucleo blues. Il rovescio della medaglia, "Sunshine Of Your Love" è l'innegabile inno rock dall'album. È stato scritto da Clapton e Bruce insieme al poeta Pete Brown ed è guidato da un  riff di 10 note che è diventato uno dei più riconoscibili nella storia del rock. Questo riff è stato originariamente sviluppato da Bruce dopo aver visto la Jimi Hendrix Experience per la prima volta a Londra. Il secondo lato dell'album inizia con "Tales Of Brave Ulysses", con testi ispirati a Homer's Odyssey scritti dall'artista Martin Sharp . Questa narrazione melodrammatica si alterna tra parti vocali calme e minimaliste e jam musicali più frenetiche. Clapton ha fuso una canzone uptempo a cui stava lavorando ispirandosi a "Summer in the City" di Lovin 'Spoonful' con la lenta progressione del basso di Bruce, rendendo l'effetto complessivo davvero unico.
"SWLABR" è una canzone divertente con i testi di Brown, che mette a confronto una donna con la "Monna Lisa", solo per dipingere liricamente la sua immagine . "Outside Woman Blues" è una canzone blues standard scritta negli anni '20, che Clapton ha aggiornato con un arrangiamento leggermente rock-oriented. L'album si conclude con un paio di brani insoliti - "Take It Back", che presenta Bruce in armonica, e "Mother's Lament", una vecchia canzone da music hall che presenta un'armonia in tre parti di tutti i membri della band.
Fresh Cream aveva un suono molto diretto, muscoloso e funky in un momento in cui le tendenze si muovevano verso i paesaggi sonori più artistici dell '"estate dell'amore". Con l'uscita di Disraeli Gears nel novembre del 1967, i Cream diventano una band pronta per cavalcare il grande momento ed entrare nella storia.

Fedeli al Vinile.

Questa domenica vorrei raccontarvi quello che è successo ieri da "Purple". Tutto è incominciato una ventina di giorni fa, quando il mio caro amico Gian Paolo Ragnoli mi ha proposto di presentare assieme a lui un romanzo di cui gli avevano parlato, "Fedeli al Vinile" di Alessandro Casalini..il titolo prometteva molto bene e le avventure in cui mi trascina Giambo mi divertono sempre,  ma la cosa che mi ha fatto immediatamente accettare la proposta è stato il luogo dove sarebbe avvenuta la presentazione: Purple, il mio negozio di dischi preferito. Quindi sono entrata in contatto con Alessandro che mi ha inviato il libro che ha immediatamente soddisfatto le mie aspettative: è un romanzo fresco, divertente, che inizia nel 2001, anche se con un brevissimo prologo di due anni prima, e nel leggerlo mi son ritrovata a pensare a tutti i negozi di dischi che c'erano a La Spezia quando ero ragazzina e mi avventuravo nell'acquisto di quelli che sarebbero stati i primi vinili della mia collezione..De Bernardi, sempre col sorriso sulle labbra , che imbustava i dischi in sacchetti con stampato sopra Che Guevara, Bloom and Rossman, dove a 15 anni ho incontrato il primo vinile dei Doors, Power Station che poi è diventato Killing Floor, un negozio che mi sembrava ENORME per una città così piccola, e che mi ha introdotto al punk e poi ancora le chiacchiere con Andrea di Hot Stuff, altro piccolo angolo di paradiso in centro città..negli anni hanno chiuso tutti, lasciando un vuoto in noi poveri amanti del vinile fino all'arrivo di Daniele che con il suo "Purple" ha regalato alla città e a tutti noi un luogo molto simile a quello descritto da Casalini nel suo libro. Si ritrova a far da sfondo ai personaggi del libro  una varia umanità che frequenta questi templi della musica, quelli che per fortuna hanno resistito all’assedio delle nuove tecnologie musicali, da cui parte la storia, e al proliferare dei grandi centri commerciali. Nel leggere questo libro i luoghi e i  personaggi potrebbero esistere veramente tra le vostre conoscenze : c'è il super esperto di musica, il professore che ama la classica, il millantatore che sostiene di aver suonato con i Pink Floyd, la ragazza che vi ha spezzato il cuore, e in sottofondo tanta musica.. di questo abbiamo parlato ieri sera da "Purple"  in una piacevolissima chiacchierata di un' ora con Alessandro, che oltre ad essere un bravissimo scrittore si è rivelata una persona molto brilante e piacevole..e dopo le chiacchiere , Daniele ha pensato alla musica, mettendo sul piatto uno dei miei dischi preferiti: "Revolver". Vi consiglio vivamente di leggere questo libro, e per questo motivo voglio regalarvene un piccolo assaggio, da leggere mentre in sottofondo va " Tomorrow Never Know"

Fase 1 - Il Corteggiamento
Prima di tutto ti posizioni in corrispondenza dello scaffale corretto. Poi cominci a scorrere le iniziali. Stop! Trovata. A quel punto inizi a vagare tra i titoli, e se il negozio è di quelli rispettabili (come il nostro) gli album di un artista sono posizionati in ordine cronologico di pubblicazione. Cominci a farti passare i vinili tra le mani cercando di trovare il prima possibile quel giusto rapporto velocità/ contatto-epidermico necessario a garantire un’adeguata fluidità della manovra. Il tutto utilizzando unicamente indice e medio. I dischi iniziano ad accumularsi sotto le tue dita, mentre l’attività di ricerca diventa frenetica. Tu sai esattamente quello che vuoi e lui sa esattamente di essere l’oggetto del tuo desiderio. Tu lo cerchi nella massa e lui fa di tutto per mettersi in mostra immerso tra i suoi simili. Oramai è fatta, pensi. Ma ecco che arriva l’immancabile attimo di panico!
E se non ce l’hanno?!
E se l’hanno già venduto?!
Fase 2 - L'Approccio
È la stessa copertina che hai ammirato almeno mille volte nel catalogo che, puntualmente, ti arriva a casa per corrispondenza e che è diventato il tuo libro di culto nei momenti fisiologicamente più impegnativi. Dal vivo è ancora meglio, ti dici.
La tocchi, e solamente in quel momento ti rendi conto che è tutto vero. Non stai affatto sognando. Rinfrancato da quell'inaspettata presa di coscienza, estrai il vinile e lo stringi tra le mani, poi inizi a scrutare incredulo la custodia come fossi l’unico testimone di una visione mistica.
È fatta. Sei mio.
Da quel momento in poi la questione si fa decisamente “hot”, quindi mi fermo qui per ovvie ragioni legate alla privacy.
." Fedeli al vinile: Una divertente commedia umana a 33 giri"
di Alessandro Casalini

..Che il vinile sia con voi!

Datteri ripieni.

Il Natale si sta avvicinando e vorrei iniziare a consigliarvi ricette semplici da presentare ai vostri ospiti durante i pranzi o le cene delle feste, come questo antipasto molto particolare, che mescola due sapori molto diversi creando un connubio incredibilmente buono!

Ingredienti:

• 8 gherigli di noce
•  8 datteri grossi
•  100 g di gorgonzola
•  50 g di mascarpone
• Olio d'oliva extravergine
• 1 cespo di Radicchio trevigiano
• Sale q.b.
• glassa di aceto balsamico.

Per iniziare lavate bene i datteri sotto acqua corrente e poi tamponateli con un foglio di carta assorbente e praticate un¹incisione per lungo. Estraete il nocciolo e allargate leggermente la cavità interna dei frutti. Mescolate insieme in una ciotola il gorgonzola e il mascarpone e aggiungete un po¹ di sale, fino ad ottenere una crema morbida e omogenea. Farcite i datteri con la crema al formaggio ottenuta e completate con un gheriglio di noce su ciascun dattero. Lavate il radicchio, dividete il cespo in quarti e disponeteli all'interno di una teglia rivestita di carta forno, senza sovrapporli, cospargete con olio extravergine di oliva, sale e pepe a piacere. Cuocete nel forno già caldo a 180° per circa 15 minuti, girandoli più volte. Sfornate e impiattate il radicchio al forno irrorandolo con un filo di extravergine.  Disponete i datteri ripieni sul radicchio e serviteli con un filo di glassa di aceto balsamico.

Song: "Misty Morning, Albert Bridge" The Pogues

In Irlanda ogni ubriaco è un poeta e ogni poeta è ubriaco, e quando i pub chiudono ogni uomo o donna ubriachi che si riversano nella strada poco illuminata per barcollare a casa o cadere senza controllo nella sporcizia, evocano brillanti quartine nel loro cervello. Il più grande poeta irlandese ubriaco ? Il mio voto va a Shane MacGowan di The Pogues , a mani basse. Ha scritto alcune delle migliori poesie mai musicate e ha portato più felicità all'umanità che un regime di astemi. È quasi certamente accettato che il quarto LP di The Pogues, 1989 Peace and Love, sia stato una delusione che ha segnato l'inizio della fine della band, almeno con MacGowan come front man. E io ci credo. È stato il primo LP dei Pogues che includeva brani che non mi piacevano, e la ragione era ovvia. L'assunzione di alcol e acido da parte di MacGowan  aveva purtroppo iniziato a solleticare il suo cervello e a influenzare il suo songwriting, lasciando che i suoi compagni di gruppo scrivessero abbastanza melodie per riempire l'album. Il trucco con Peace and Love è sapere quali canzoni saltare, iniziando con il brano di apertura "Gridlock", troppo sgargiante, jazzistico e pulito per appartenere ai Pogues . Salto anche "Young Ned of the Hill", una canzone di protesta irlandese a metà tempo che senza la voce di McGowen non riesce a convincermi. Salto anche la fastidiosa  "Blue Heaven", che è troppo brillante anche se amo l'assolo di tromba. In genarale mi rammarico che dietro al microfono non ci sia MacGowan con il suo disastroso sfarfallio di una voce, proprio come mi manca su "Lorelei", una bella canzone cantata con una voce troppo pulita, o su "Gartloney Rats". Infine, ignoro "Tombstone", una canzone atmosferica sull'Ovest americano che procede a passo d'uomo ed è così insolita come una melodia di Pogues che non riesco nemmeno a immaginare che MacGowan possa cantarla.Peace and Love include fortunatamente anche canzoni cantate da MacGowan, ma purtroppo troppo effettate, al fine di rendere la sua voce più “comprensibile” come "Night Train to Lorca”. Ma arriviamo finalmente alle canzoni che mi piacciono! Prima arriva "White City", con il magnifico flauto di latta di Spider Stacy e il meraviglioso banjo di Jem Finer che fa un gran baccano mentre la sezione ritmica (Andrew Ranken alla batteria e Darryl Hunt al basso) continua a muoversi vivacemente e MacGowan canta con tutto il suo cuore. "Misty Morning, Albert Bridge" è stata scritta da Finer ed è la mia preferita dell’album: la canzone si muove ad un ritmo maestoso, con MacGowan che canta di sognare un amante lontana, per poi svegliarsi "così freddo e solitario / In un posto lontano / Il sole è caduto freddo sulla mia faccia / Le crepe nel soffitto hanno fatto l'inferno." Dopo due strofe MacGowan e la band cadono in un coro maestoso che termina con il canto di MacGowan, "Ci vediamo allora / Come gli uccelli dell'alba cantano / In una fredda e nebbiosa mattina / dall'Albert Bridge", dopo di che la band si lancia in un bellissimo assolo musicale , con il suo slancio mozzafiato e la sua tromba evocativa, e questa canzone e "White City" dimostrano, comunque, che nonostante il deterioramento fisico e mentale di MacGowan l'unica marca di grandezza dei Pogues è rimasta intatta . "Cotton Fields" ha contraddistinto il continuo fascino di MacGowan verso gli Stati Uniti, e anche se è lontano dalla migliore canzone dei Pogues, il suo forte rock propulsivo e la sua voce rozza mi convincono. "Down All the Days"  è semplice, commovente e adorabile, e questa è una combinazione difficile da battere. Un omaggio allo scrittore e pittore irlandese Christy Brown, nato con paralisi cerebrale e fondamentalmente eseguito miracoli con il piede sinistro, su cui ha mantenuto un certo controllo motorio, la canzone inizia con il click-clack di una macchina da scrivere (giusto, ha scritto interi libri con le dita dei piedi) poi si lancia in un'irresistibile melodia su cui MacGowan canta due versi scarsi. La canzone termina con un lungo momento strumentale su cui mandolino, banjo, chitarra e chissà che altro suonano all'unisono.  "USA" è una melodia molto più oscura e dura, e include un paio di momenti strumentali lunghi e ronzanti che mi ricordano i Velvet Underground. La voce di MacGowan è più rauca e più devastata in questa canzone martellante sulla disillusione ("Ho trovato la cosa / Per cui ho pregato / E sono tornato a casa / Negli Stati Uniti / Con un cuore di pietra / E ora so / Che è lo stesso  ovunque tu vada "). Secondo me questa è la canzone più atipica di The Pogues, e mi piace tantissimo. In "Boat Train" il narratore finisce per perdere il suo ultimo centesimo, per non parlare del suo orologio e cappotto, durante il suo viaggio e mi piace soprattutto il modo in cui MacGowan gracchia , "The Boattttt ... .. Terrrrain!" ."London You're a Lady"  non è altrettanto bella come gli altri tributi di MacGowan a quella città, come ad esempio "Lullaby of London", "A Rainy Night in Soho" o "Dark Streets of London." Per una volta I doni lirici di MacGowan lo tradiscono e "London You're a Lady" è in gran parte un assortimento melodrammatico di stanco cliché, ambientato in un grande sfondo di archi e tamburi, che diventano più belli mentre la canzone si snoda, come un MacGowan ubriaco giù una delle strade piovose di Londra, verso la sua destinazione finale .E così via. Per parafrasare quel maestro cronista delle strade di Londra, Charles Dickens, Peace and Love era il migliore dei Pogues, era il peggiore di The Pogues, era un album di saggezza, era un album di follia, e io continuo amarlo nonostante i suoi difetti, forse perchè la voce di MacGowen e il prezzo che ha pagato per scrivere le sue canzoni mi commuovono.

Torta soffice alle castagne.

E’ arrivato il freddo che ci costringe a stare in casa a cucinare e gustare dolci nutrienti. Quale periodo migliore quindi per mettervi alla prova con il dolce alle castagne? Questa ricetta è senza glutine quindi perfetta a chi ha intolleranze!

Ingredienti:

200 g farina di castagne

3 uova medie

150 g burro a temperatura ambiente

100 g zucchero di canna grezzo biologico

10 g lievito per dolci

50 g farina di riso

150 g latte

zucchero a velo per la decorazione

Per preparare la Torta alla farina di castagne accendere per prima cosa il forno a 180 gradi ed imburrare e infarinare una teglia di 22 cm di diametro. In una terrina setacciare insieme la farina di castagne, la farina di riso e il lievito per dolci, in modo da eliminare tutti i grumi della farina di castagne. In un'altra terrina sbattere per 5-6 minuti le tre uova con lo zucchero di canna, la vaniglia in polvere e il sale, usando una frusta elettrica alla massima velocità; sempre continuando a lavorare il composto con le fruste, aggiungere poi, alternandoli a piccole dosi, il burro a versato filo, le farine a cucchiaiate e il latte. Raccomandiamo di lavorare bene il composto, otterrete un composto bello cremoso e liscio. Versare il composto nella teglia, livellarlo leggermente ed infornarlo; farlo cuocere per circa 30 minuti. Prima di sfornare la Torta alla farina di castagne, come sempre, effettuare la prova stecchino per controllarne la cottura. Sfornarla e lasciarla raffreddare. Quando sarà fredda, decorarla con dello zucchero a velo..

Song: "The Ship Song" Nick Cave & The Bad Seeds

Siamo nel 1989, Nick Cave  è uscito dall'incubo della tossicodipendenza da due anni, ha pubblicato il suo primo romanzo e un gran disco  "Tender Prey", ha trovato nella religione e nei mille dubbi che questa gli pone un motivo in più di ispirazione e in Brasile incontra la donna che  gli darà il suo primo figlio. Ora Nick Cave cresciuto come uomo e come artista, pronto a lasciarsi alle spalle il passato e a dare vita ad un nuovo album assieme ai suoi Bad Seeds, un lavoro che potrebbe essere una svolta a livello creativo. L’anno dopo, il 16 aprile (quanto mi piace quando escono album belli nella data del mio compleanno!) pubblica “The Good Son”, un album con una grande quantità di stati d'animo. I soggetti rilassanti, deprimenti e brillanti sono solo un auricolare della personalità che contiene. Ogni canzone ha un punto di pressione che in qualche modo o forma è destinato a farti restare all’ascolto. Con tutto, dalla voce distinguibile di Nick Cave, alle silenziose melodie del pianoforte, è umanamente impossibile non esserne coinvolti. L'album ha una grande quantità di stati d'animo. I soggetti rilassanti, deprimenti e brillanti  sono solo un auricolare della personalità che contiene. "Foi Na Cruz" inizia l'album. La voce di Nick Cave è strettamente correlata a un tono frizzante brasiliano . Non c'è molto da offrire per gli strumenti, ma solo un piano melanconico tranquillo e poche campane qua e là. "The Good Son" arriva in sei incredibili minuti che catturano la tua anima per la maggior parte del testo .Il testo è significativo e il posizionamento melodico è eccellente. "Sorrow's Child" è un po 'spoglio, ma ha  aspetti interessanti che lo migliorano durante l’ascolto. È fondamentalmente basato su una canzone afroamericana datata secoli fa:  è bella e gradualmente acquista intensità. "The Weeping Song" urla solo emozioni, Nick Cave canta il suo cuore in questo ed è assolutamente affascinante. "The Ship Song" caratterizza il romanticismo e l'amore, e "The Hammer Song" è una jam piena di azione che offre linee di chitarra avvolgenti e voci interessanti. "The Witness Song" e "Lucy" sono entrambi belle canzoni, ma non così intense come le  precedenti. I pianoforti morbidi e le voci in background guidano questi brani. Danno il 100%..Pochissimi altri artisti sono paragonabili a Nick Cave come capacità di suscitare emozioni tanto contrastanti e tanto forti, così come pochissimi altri possono vantare la sua abilità evocativa. Per il suo spessore musicale, ma anche letterario, poetico e per il suo fortissimo impatto emozionale, "The Good Son" è a tutti gli effetti un'opera preziosissima e irripetibile.

Risotto alle castagne.

Il risotto alle castagne è un primo piatto di origine piemontese a base di riso, burro, cipolla, brodo e naturalmente castagne fresche che vengono cotte insieme al riso per creare un sapore delicato e autunnale.

Ingredienti:

• 300 gr di riso arborio      
• 250 gr di castagne
• 80 ml vino bianco
• 60 gr di burro
• 50 gr di cipolla
• 1 lt di brodo di carne

 Sciogliete una noce di burro all'interno di una pentola antiaderente e dal fondo spesso. Aggiungete la cipolla tagliata finemente e lasciate cuocere finché il burro non sarà diventato trasparente e la cipolla avrà iniziato a caramellare. Aggiungete il riso e mescolate di continuo con un mestolo di legno in modo da tostare i chicchi. Sfumate con il vino e aggiungete le castagne tagliate grossolanamente continuando a mescolare in modo da farle ammorbidire. Aggiungete un mestolo di brodo e lasciatelo assorbire cuocendo a fuoco basso mentre continuate a mescolare con il cucchiaio di legno. Continuate la cottura aggiungendo man mano il brodo e mescolando fino a termine cottura per non farlo attaccare . Impiattate immediatamente il riso accompagnando con un giro di pepe nero e un po' di parmigiano.

 Song: "Who Do You Love?" Quicksilver Messenger Service

I Quicksilver Messenger Service sono sempre stati poco considerati nella scena psichedelica di San Francisco: non hanno fatto la storia come i Jefferson Airplane, non hanno mai creato una religione mondiale come i Grateful Dead, e non sono mai nemmeno riusciti a comparire nella lista ufficiale alternativa di "strani tesori perduti" come i Moby Grape. Erano lì in quel momento, hanno scritto un po 'di musica,  suonato in qualche concerto, sono rimasti insieme  un po 'troppo a lungo e sono finiti in completa oscurità. Il fatto è che i i Quicksilver Messenger Service potrebbe essere considerati una band "media", ma sono tutt'altro che mediocri. La band ruotava attorno ad un paio di chitarristi davvero talentuosi, capaci di adattarsi a molti stili diversi, dalla tipica "acid guitar" al blues-rock e al jazz. Una delle principali forze alla base era il cantautore Dino Valenti , noto anche come Chet Powers, Jesse Oris Farrow, e con un paio di migliaia di altri nomi ,( famoso per essere stato l'autore di brani come "Hey Joe" e "Let's Stick Together")che insieme a John Cipollina alla chitarra, Jim Murray alla voce e all'armonica, David Freiberg  al basso e Casey Sonoban alla batteria ha cercato di trovare uno spazio nella città californiana di San Francisco durante il 1965. E a un certo punto, la band poteva persino vantare l'inclusione di nientemeno che il favoloso pianista Nicky Hopkins come membro ufficiale , un onore che né i Kinks né i Rolling Stones né le innumerevoli band con cui Nicky aveva suonato hanno mai avuto. Purtroppo, Valenti è stato condannato per possesso di droga pochi mesi dopo la formazione della band e ha dovuto lasciare il gruppo per diversi anni. I suoi compagni hanno proseguito il percorso tracciato conquistando un discreto gruppo di seguaci del rock lisergico. Cipollina e soci  partecipano al festival di Monterey nel 1967: sempre riluttanti a firmare con le case discografiche, infine, cedettero al fascino di Capitol e registrarono il primo LP "Quicksilver Messenger Service" (1968). Ma per i fan della band è una mezza delusione: l'album in studio non sembra in grado di riproporre le emozioni dell'esperienza live. Si tratta comunque di un ottimo lavoro, ricco di spunti e del miglior materiale mai inciso in studio della band, fin dall'indimenticabile singolo "Pride Of Man", cover di un brano country di Hamilton Camp, attraverso le atmosfere vellutate di "Light Your Windows" e l'easy listening di "Dino's Song" (scritta da Valenti), fino alla jam di "Gold And Silver", uno dei temi più classici della band, strutturato come un intreccio tra le chitarre di Cipollina e Duncan. Il secondo album del gruppo, è il loro capolavoro: Happy Trails (1969), registrato in parte dal vivo. La prima facciata è occupata da una versione-suite di circa 25 minuti di "Who Do You Love"  una canzone scritta da uno degli autori che li ha influenzati di più, il pioniere da R & B e rock'n'roll Bo Diddley , accompagnando le linee guida di chitarra classica di Diddley ai loro postulati psichedelici , diventa il manifesto del sound dei Quicksilver e uno dei capolavori della psichedelia californiana. Il lato B accoglie l'ascoltatore con un'altra cover di Diddley, "Mona", a cui viene riservato un trattamento simile a quello di "Who Do You Love" nella prima facciata, ma per una durata più breve sfociando nella grandiosa "Maiden Of The Cancer Moon". "Calvary" è invece di Duncan, che rallenta il ritmo per sferrare vere e proprie flagellazioni sonore su un tappeto cupo e ossessivo. A stemperare il clima provvede la buffoneria tipica del gruppo , con la title track, una breve rilettura di un brano country di Roy Rogers e Dale Evans. Il trionfo del gruppo è suggellato, e questo rimarrà il punto più alto della produzione della band, picco del loro periodo migliore."Shady Grove" (1969) è stato il terzo  di disco della band californiana, che aveva sofferto del fatto che Duncan aveva deciso di lasciare il gruppo dopo gli scontri con Cipollina. Nonostante la partenza di chitarrista, "Shady Grove" ha beneficiato l'ingresso del tastierista Nicky Hopkins . Gary Duncan si era riunito con Valenti, che dopo aver lasciato la prigione e dopo aver registrato un omonimo album solista, ha cercato di formare un nuovo gruppo con il chitarrista, The Outlaws. Senza fortuna nella loro nuova formazione, sono tornati nelle fila di Quicksilver Messenger Service, dove Valenti occupava un posto di rilievo. "Just For Love" (1970) è stato il primo LP del ormai sestetto e, pur non essendo un lavoro trascurabili, è sceso il livello di qualità dei suoi predecessori, nonostante il bel singolo "Fresh Air". L'encomiabile esercizio di chitarra di Duncan e Cipollina è stato in parte rimosso dalla supremazia vocale e autoriale di Valenti. Lo stesso è accaduto in "What About Me" (1970), dopo di che hanno lasciato il gruppo John Cipollina, Nicky Hopkins e David Freiberg gruppo, che è stato per un paio di mesi di carcere per possesso di marijuana. Successivamente entrò a far  parte della nave stellare dei Jefferson Airplane. Con l'aggiunta del bassista Mark Ryan (ex Country Joe & The Fish ) e tastieristi Mark Naftalyn (ex Paul Butterfield Blues Band) , hanno registrato  "Quicksilver" (1971), il loro ultimo grande album. Più tardi pubblicarono il minore "Comin 'Thru" (1972), dopo di che il gruppo finì per separarsi. Qui termina la storia musicale dei Quicksilver Messenger Service che hanno regalato alla musica psichedelica californiana due grandi capolavori, più che degni di essere paragonati alle opere dei più quotati colleghi Jefferson Airplane e Grateful Dead. Il loro stile era più vicino al blues sporco delle origini e ai riti tribali. Consegnarono alla storia un'opera immortale, prima di venire travolti dall'usura del tempo. Per questo sono un gruppo da rivalutare assolutamente e da conoscere per avere una cognizione completa della musica rock californiana degli anni Sessanta.

Pizza di scarola

La pizza di scarola è un piatto tipico della cucina napoletana. Viene preparata tradizionalmente la vigilia di Natale, per essere consumata in occasione del pranzo..è in apparenza un piatto molto semplice ma vi assicuro che è veramente buonissima, soprattutto se mangiata il giorno dopo averla preparata. Una piccola variante : invece di una pizza unica questa volta ho suddiviso l'impasto per formare 4 pizze monoporzione.

Per la pizza:

• 1 kg di farina
• una tazza di olio d’oliva extravergine
• mezzo cucchiaino di sale 
• un cucchiaino di zucchero 
• lievito di birra (un cubetto) 
• 350 cl. di acqua

 Per il ripieno:

• 1,5 kg scarole lisce mondate e lavate 
• 3 spicchi di aglio
• 1 bicchiere di olio di oliva extravergine
• 2 etti di olive di Gaeta denocciolate
• 1 etto di capperini di Pantelleria dissalati 
• due cucchiai colmi di pinoli tostati al forno (220°) o in padella con un filo d’olio
• 1 etto di uvetta ammollata in acqua calda
• pepe bianco q.s.
• 10 – 12 filetti di acciughe sott’olio.
• sale 

L’impasto occorrente è essenzialmente quello del pane; se non lo si compra già pronto dal fornaio occorre procedere in questo modo: mettere su di un ripiano la farina a “fontana”, aggiungere l’olio, l’acqua, il cubetto di lievito, lo zucchero ed il sale sulla corona ed amalgamare bene il tutto e porre la pasta a lievitare al caldo per circa due ore, in una terrina coperta con un canovaccio. Mondare e lavare le scarole, metterle in una pentola con poca acqua salata (sale grosso) e lessarle (15 min. circa), infine metterle a scolare, dopo d’averle un po’ strizzate. In un ampio tegame, provvisto di coperchio, versare tutto l’olio con l’aglio tritato e farlo soffriggere a fuoco vivace; eliminare l’aglio, aggiungere i filetti d’accighe e farli sciogliere nell’olio caldo, aggiungere le olive denocciolate e i capperi, dopo due minuti i pinoli e le uvette ed infine le scarole ben strizzate, assaggiare e condire con sale e pepe,mettere il coperchio , abbassare i fuochi ed ultimare la cottura mescolando di tanto in tanto. Lasciar freddare e preparare la teglia per la cottura della pizza, oliandone la superficie. Dividere in due parti diseguali l’impasto ormai lievitato e usarne una parte (la maggiore) per la base,foderando accuratamente fondo e bordo della teglia, aggiungere le scarole e completare con il coperchio di pasta avanzata bucherellato con la forchetta. Una volta che la pizza sarà cotta, estrarla dal forno farla intiepidire prima di porzionarla e servire.

Song: “The Torture Never Stops” Frank Zappa

 Giorni fa è capitata tra le mie mani questa foto scattata da Richard Avedon a Claudia Cardinale e Frank Zappa nel 1967. L’attrice era in California per girare "Don't Make Waves", in compagnia di Tony Curtis e al suo manager venne in mente di farle fare un servizio fotografico  che venne poi pubblicato sulla rivista Epoca con il titolo:  "Claudia prende in giro l'America". Zappa compare in diverse foto, assieme a Elliot Ingber, chitarrista delle prime Mothers, che presterà per l'occasione alla Cardinale i suoi caratteristici stivali con le frange. Zappa e soci, lungi dall'essere noti nel Bel Paese, vengono angelicamente citati come 'tipici hippie'. E proprio in quell anno esce il loro 22 ° album, “Zoot Allures”. Beefheart, accreditato come Donnie Vliet, è rimasto per le sessioni di Zoot Allures, aggiungendo la sua armonica a un paio di canzoni - "Ms Pinky" e "Find Her Finer" . Anche se Zappa si è sentito a casa registrando nel suo preferito Record Plant Studios a Los Angeles, dove si è svolto anche il mixaggio, la leggenda narra che un altro mix dell'album sia stato sperimentato a Jacksonville, in Florida. Qualunque sia la verità, i risultati finali sono stati la personificazione di Zappa : progressivi, virando verso fusione e funk, e con frustate di hard metal ai margini - non dimenticando i suoi testi scabrosi di marca. L'apertura 'Wind Up Workin' In A Gas Station 'crea l'atmosfera, inviando l'idea che le persone intelligenti finiscano per fare lavori umili. Zappa e l'ingegnere Davey Moiré gestiscono la voce principale, con Frank che prova basso, chitarre e sintetizzatori mentre il fidato batterista Terry Bozzio inchioda il backbeat. Corto e molto acuto, la canzone è davvero forte, con Zappa che adotta un finto accento tedesco. Dal vivo è incredibile. "Black Napkins" fa la differenza, grazie a una brillante parte della chitarra estesa che è diventata anche un appuntamento fisso nei tour successivi. Qui viene selezionato da uno spettacolo dal vivo del febbraio 1976 a Osaka, in Giappone. Il brano chiave dell'album è forse 'The Torture Never Stops': predica la musica ambient, la voce di Zappa conferisce una trama inquietante e maligna a un testo cantato, in stile night-club, anche se del tipo di performer che non vorresti incontrare in un oscuro camerino.  'Ms Pinky', che racconta di una bambola gonfiabile, e inizia con la frase, "Ho una ragazza con una testolina di gomma / Risciacquala ogni sera prima di andare a letto. "Beefheart irrompe, Ruth Underwood aggiunge più synth, e il motivo segue un ritmo hard rock da garage standard con escursioni laterali sconvolgenti. Capovolgi il disco e rimani bloccato nel bizzarro mondo di "Find Her Finer", una canzone che suggerisce che gli uomini siano ben consigliati di comportarsi da stupidi, poiché questo favorirà i loro desideri nefandi. Il bassista Roy Estrada (un membro originale di entrambi i Mothers and Little Feat) aggiunge un falsetto comico in modo che il tono bizzarro si trasformi in un makeover doo-wop. Per questo motivo, 'Find Her Finer' è uscito come singolo, purtroppo poco apprezzato dal pubblico.Lo strumentale "Friendly Little Finger" (le cui sessioni originali risalgono tra il 1973 e il 1975) modula tra il flessibile drone mediorientale di Zappa e un classico arrangiamento di metallo potenziato da corni e marimba, prima di lasciare il posto al revisited (dal 1972 e '73 ) "Wonderful Wino", un selvaggio omaggio all'ubriachezza. Questo è anche il punto in cui si trova un riferimento alla suddetta tuta zoot. La title track di Zoot Allures è più strumentale e apparentemente è un'aggiunta tardiva all'album, anche se Zappa ha avuto fretta di perfezionarlo per date live immediate. In termini di vendite, tuttavia, il biglietto da visita del disco è stato il "Disco Boy" di chiusura, un colpo satirico alla tendenza prevalente della danza, con risate aggiunte che sono entrate nelle classifiche. Una bella fetta di jive a mano. Il rovescio della medaglia era "Ms Pinky", ora etichettata come "Ms Pinky, Bird Walk". Oltre 40 anni dopo, Zoot Allures brilla ancora.

Caserecce integrali con i legumi.

La pasta con i legumi è un ottimo piatto unico e bilanciato: la pasta infatti contiene gli aminoacidi che mancano ai legumi che a loro volta rimediano alla carenza proteica della pasta. E’ un piatto perfetto per un pranzo autunnale, quando fuori incomincia a fare freddo e si ha voglia di mettere nello stomaco qualcosa di caldo e sostanzioso.

Ingredienti:

• 50 gr di piselli secchi
• 50 gr di fagioli borlotti secchi
• 50 gr di ceci secchi

• 50 gr di lenticchie secche
• 150 gr di casarecce integrali
• 1 cipolla
• 1 spicchio di aglio
• 1 litro di brodo vegetale
• 2 foglie di alloro
• olio evo
• sale e pepe

La sera prima di preparare questo piatto mettete a bagno in acqua tiepida i fagioli, i piselli e le lenticchie assieme alla foglie di alloro. In una pentola fate rosolare la cipolla tagliata a dadini e lo spicchio di aglio sminuzzato finemente in 4 cucchiai di olio. Scolate i legumi e versateli nel coccio; lasciateli insaporire,salate, pepate.Allungate con brodo vegetale (o col dado granulare e aggiungete acqua bollente) e lasciate cuocere per almeno un’ora. Dopo questo tempo, unite la pasta e continuate la cottura allungando eventualmente di brodo man mano che si asciuga..

Song: “Whammy Kiss” B-52

Se si nomina Athens, in Georgia la prima band che viene in mente sono i R.E.M, ma prima di loro, nel 1977 ad un party di S. Valentino esordirono i B-52’s. Il gruppo formato da Strickland (batteria), Ricky Wilson (chitarra) e 3 cantanti Cindy Wilson , Fred Schneider e Kate Pierson (voce e tastiere) erano all’inizio una band che cantava parodie della civiltà anni ’60 nei suoi aspetti più futili (da cui le capigliature vaporose delle ragazze, B-52 appunto, e i testi surreali infarciti di trivialità adolescenziali) e gli arrangiamenti con gli strumenti perfettamente assemblati e le armonie vocali deliziose. Con la loro ricercata estetica trash, i B-52’s hanno rivelato la dozzinale inconsistenza della cultura di massa usandola come prisma per osservare l’inconscio americano. “ Whammy!” descrive la spensieratezza e gli anni 50-60 e le buone melodie, e una certa malinconia "sfiziosa" tengono bene o male a galla il lavoro in diversi tratti. Si potrebbe  scrivere tutta una recensione sulla title track di quest’album. È quasi un esperimento di laboratorio su come realizzare la canzone pop perfetta.  È sempre strano quando la title track è la canzone migliore / peggiore di un disco. E questa è una bella canzone con un coro che ti fa venir voglia di ascoltare  l'intero album. Suona ancora e ancora ma non invecchia per qualche motivo. Ti ipnotizza mentre le voci sovrapposte rimbalzano intorno alle tue orecchie. L'album potrebbe essere quella canzone 9 volte di fila e andrebbe bene. Tuttavia, ci sono un sacco canzoni divertenti in questo disco.  "Legal Tender" è un modo perfetto per prepararti al nuovo sound dei B-52. Una tastiera calda suona un battito di batteria programmato mentre le belle voci femminili di Kate Pierson e Cindy Wilson cantano di fare soldi contraffatti.  Le immagini sono perfette in quanto descrivono l'archiviazione di denaro in vasetti di gelatina e il passaggio in banca con denaro fresco come erba. L'unica canzone veramente brutta del disco arriva subito dopo la title track, “A Song For A Future Generation”,anche se ha una bella atmosfera con la chitarra e le chiavi che creano un bel paesaggio, i testi e le voci la trascinano molto velocemente. La band ha cambiato molto il suono in questo disco. Erano conosciuti per il loro stile surf / new wave / post-punk e hanno ottenuto molto successo in questo modo. Questa volta è tutta la drum machine e le tastiere. C'è la chitarra ma suona principalmente accordi ritmici con alcune inflessioni melodiche per mantenere le cose interessanti. Personalmente penso che questo esperimento funzioni meravigliosamente per la band. Sembra che la maggior parte delle canzoni siano state avviate con un battito di batteria ritmata, e quindi hanno aggiunto strumenti nel tempo. Il vantaggio di questo stile di songwriting è che tutte le canzoni hanno una certa qualità ballabile. I B-52 infondo sono sempre stati una dance band e “Whammy!” ne è la conferma. Brani come "Butterbean" suonerebbero completamente diversi se suonati con strumenti dal vivo. Su "Big Bird" la band ha una sezione di corno che sembra una giungla dancehall. È una delle canzoni più forti del disco con i cantanti che descrivono un grosso uccello minaccioso che sorvola la loro casa, terrorizzandoli.  "Work That Skirt", è un modo debole per chiudere l'album, non è necessariamente negativo. Come unica canzone strumentale è una bella pausa da tutte le voci sovrapposte di Schneider, Wilson e Pierson. Il produttore Steven Stanley ha creato un suono efficace per far risplendere la band in un album veramente divertente da ascoltare.

Biscotti allo sciroppo d'acero.

Nella mia soul kitchen lo sciroppo d’acero non manca mai.. Lo uso soprattutto nel fine settimana sui pancake ma ieri mio figlio mi ha suggerito di provare ad utilizzarlo per fare i biscotti: ci siamo messi assieme al lavoro e il risultato è stato veramente delizioso : li abbiamo finiti in un pomeriggio!

Ingredienti:


• 200 gr di farina 00

• 120 gr di burro ammorbidito

• 50 ml di sciroppo d’acero

• 50 gr di zucchero di canna chiaro

• un tuorlo d’uovo

• un cucchiaino raso di cannella macinata

• un pizzico di sale

Per la granella

• 2-3 cucchiai di zucchero di canna chiaro

• 1/2 cucchiaino di cannella

In una ciotola capiente, lavorate il burro e lo zucchero fino a ottenere un composto cremoso .Unite il tuorlo d’uovo, amalgamate, poi fate lo stesso con lo sciroppo d’acero. Mescolate farina, sale e cannella e unite al resto degli ingredienti poco alla volta, mescolando. Impastate per rendere il composto uniforme. Formate una palla, schiacciatela e avvolgetela  con pellicola trasparente. Mettete in frigo per 1 ora.Trascorso il tempo di riposo accendete il forno a 180 gradi. Stendete l’impasto e ritagliate i biscotti della forma che più vi piace, rimpastando i ritagli man mano che procedete Disponete sulla placca rivestita di carta forno. Mescolate zucchero e cannella per la granella e distribuite sui biscotti. Infornate per 12-15 minuti, i biscotti saranno cotti quando risulteranno dorati. Sfornate e lasciate sulla placca, senza toccare, per 5 minuti, poi sollevate i biscotti delicatamente e mettete a raffreddare..

Song: "Watching the Wheels" John Lennon

Attenzione a confondere l'idolo per il suo lavoro. Pubblicato appena tre settimane prima che John Lennon venisse  assassinato, Double Fantasy fu allo stesso tempo il suo grande sforzo  per la rimonta e il tragico epilogo della sua vita. L'album è stato una vera collaborazione con la moglie, Yoko Ono, con canzoni di entrambi che si alternano in quasi in tutta la sequenza del disco. . Si trattava quindi dell'ennesima esternazione dell'unione affettiva, politica, musicale che i due amavano battezzare come “Johnandyoko”.  “Double Fantasy” è un discreto disco che ha avuto il merito ,o il demerito, di idealizzare una relazione d'amore, seppellendo sotto strati di dolci melodie inquietudini di un marito e di una moglie. Il disco è stato inizialmente stroncato dalla critica, la maggior parte dei giornalisti ha cambiato tono dopo la morte di Lennon e il successivo diluvio di sostegno popolare, che è servito a spingere “Double Fantasy” in cima alle classifiche mondiali. Con la nascita di Sean, nell'ottobre del 1975, John Lennon iniziò effettivamente una pausa dal mondo della musica. Qualche anno prima, Lennon aveva pubblicato un album di  cover intitolato semplicemente Rock n 'Roll. Nel corso dei successivi cinque anni,  dedicò tutta la sua attenzione alla sua famiglia e non cantò né in tour né in registrazioni, a parte l'occasionale dimostrazione acustica registrata nel suo appartamento di New York. Lennon intraprese un viaggio in barca lungo la costa atlantica verso le Bermuda nell'estate del 1980, il che scatenò la sua creatività compositiva e iniziò a scrivere nuove canzoni e rielaborare precedenti demo. Allo stesso tempo anche Yoko Ono ha  scritto molte canzoni e la coppia ha deciso di pubblicare il loro lavoro combinato su un singolo album. Il risultato finale è stato un album di materiale incentrato  su un uomo e una donna che si sono incontrati,  degli anni nella loro relazione, con le tracce sequenziali come un dialogo tra Lennon e Ono, con una scaletta che alterna un brano ciascuno dei sette che ognuno dei due ha registrato. D’altra parte non c’è altro modo per dare senso al connubio: dividere i due lati dell’LP in senso monografico avrebbe fatto consumare agli ascoltatori il lato A, lasciando intonso il lato B. Ai pochi che difendono il coraggio dell’impostazione dell’opera e sono disposti a concedere merito e un’opportunità a Ono, si oppongono i più, per i quali è un peccato che Lennon non sia tornato invece con un’opera solista, soprattutto per la grande qualità di almeno quattro dei suoi pezzi: “(Just like) Starting over”, “Watching the wheels”, “Woman” e “I’m losing you”. In tutto ciò, Yoko replica al meglio delle sue capacità. Stilisticamente oppone allo stile di John, con suoni sperimentali. “Kiss kiss kiss” e “Every man has a woman who loves him”, la prima influenzata dalla disco di quel periodo, la seconda con un beat trascinante, sono i suoi migliori momenti nell’album. Hanno arruolato il produttore Jack Douglas e gli hanno chiesto di assemblare una band di supporto senza dire loro per chi avrebbero registrato. Lennon e Ono inizialmente finanziarono le sessioni di registrazione poiché Lennon non aveva firmato un'etichetta discografica al momento e la coppia voleva che le sessioni di registrazione rimanessero segrete fino a quando non fossero soddisfatti della produzione finita. Dopo aver divulgato la notizia a un gruppo di A & R, i Lennon hanno scelto la nascente Geffen Records, perché David Geffen è stato l'unico a mostrare a Ono il dovuto rispetto. Il singolo principale del disco, "(Just Like) Starting Over" è anche il brano di apertura di Double Fantasy. Un lieve rumore di campanello segnala l'apertura suonata con l'acustica con le voci cantonate di Lennon nella sezione di introduzione. Il brano successivo si trasforma in un doo-wop rock in stile anni '50 con elementi rock moderni come un quasi divertente omaggio a Elvis Presley. L'outro fadeout include Yoko Ono mentre Lennon aggiunge canti di soprano per completare la traccia che sarebbe diventata postuma il più grande successo di Lennon, in cima alle classifiche per cinque settimane.  "Cleanup Time" è un funky rocke in tutto e ricorda alcuni brani dell'album del 1974 di Lennon, Walls and Bridges, il suo ultimo album in studio prima di Double Fantasy. Le tre tracce di Ono sul primo lato sono "Kiss Kiss Kiss", durante la quale che boccheggia pesantemente e che sembra raggiungere l'orgasmo, "Give Me Something", e "I'm Moving On" , che integra e imita da vicino Lennon in "I'm Losing You". Entrambe queste tracce sono state originariamente registrate dai membri di Cheap Trick, Rick Nielson e Bun E. Carlos, ma sono state ri-registrate dai musicisti di sessione, inclusi i chitarristi Hugh McCracken e Earl Slick. "I'm Losing You" è un brano fantastico e lunatico in cui la voce di Lennon si trova sopra la lenta jam rock con superbi motivi musicali. La canzone è stata scritta da Lennon alle Bermuda dopo aver tentato invano di connettersi a una telefonata a Ono. "Beautiful Boy (Darling Boy)" è stato scritto da Lennon per il figlio e inizia con le stesse campane percussive della canzone di apertura. Dal punto di vista musicale, contiene elementi caraibici forti insieme a un'acustica consistentemente strizzata e un finale prolungato con effetti sonori piacevoli. La canzone contiene anche alcuni dei migliori testi dell'album “la vita è quello che ti succede mentre sei impegnato a fare altri piani” "Watching the Wheels" è la cosa più vicina a una canzone del Lennon che amo. E’ l’ insieme a una grande performance musicale di tutti i musicisti. Il basso di Tony Levin è spettacolare, rimbalzante e in prima fila, ma ancora ben chiuso con il ritmo costante del batterista Andy Newmark. In più, il pianoforte blues aggiunge un tocco bizzarro e le voci di addio di Lennon sono molto forti ed emozionanti. Idealmente, "Watching the Wheels" avrebbe reso  grande l’album se ci fossero state canzoni dello stesso livello. E invece Il resto del secondo lato è dominato da Yoko, che canta quattro dei sei brani mentre le due tracce rimanenti erano scritte da Lennon, direttamente per lei. "Yes, I'm Your Angel" inizia con alcuni effetti sonori urbani che si protraggono per quasi un minuto prima che la musica venga alla ribalta come uno spettacolo per pianoforte accompagnato da strumentazione e collage sonori. "Beautiful Boys" è musicalmente interessante con grandi chitarre a strati e potenti e alte note di basso, con i testi di Ono rivolti direttamente a Sean e John. " Every Man Has a Woman Who Loves Him " è un funk / discoteca moderato e riservato, mentre il più vicino "Hard Times Are Over" contiene un ritmo bluesy e un pianoforte con un'atmosfera da vivo, da night club. Le restanti due canzoni di Lennon sono allegre e funky "Dear Yoko", con voce rockabilly, basso rimbalzante, e una sezione di corno forte, e la ballata molto superiore, "Woman". Qui, le parole di Lennon sono profondamente romantiche e musicalmente, questa traccia contiene una grande progressione di accordi e un supporto musicale piacevole ma trattenuto.  Dopo la registrazione di Double Fantasy, Lennon e Ono hanno immediatamente iniziato a lavorare su un album di follow-up, che alla fine è uscito come “Milk and Honey” all'inizio del 1984 ed è ufficialmente elencato come album finale di Lennon. Double Fantasy è il canto del cigno dell'ex-Beatle, poiché stava lavorando duramente per promuoverlo fino al giorno della sua morte. Ma per quanto mi riguarda è un disco che non riesce ad entrare nelle mie corde..se sentimentalmente John ha trovato in Yoko la compagna ideale, musicalmente i due risultano alla lunga noiosi. La grande pecca del disco è che pur invitando ad un paragone artistico, John Lennon e  Yoko Ono viaggiano  su binari paralleli, non riuscendo mai a trovare un'interazione in musica, se non nel breve botta e risposta  tra “I'm Losing You” (Lennon) e “I'm Moving On” (Ono).  La carenza di armonia è testimoniata, inoltre, anche dall'approccio musicale in senso stretto. Mentre Lennon raggiunge vette del pop più dolce, sferzato solo da qualche intermezzo di chitarra, inscritto comunque nel canone della musica anni '80, Yoko rinnova il suo interesse verso un certo avanguardismo, ripulito da eccessi soprattutto vocali ed al contempo ammicca alla  musica dance. Ho letto una recensione uscita in quel periodo che diceva : “Avrei voluto che Lennon avesse tenuto chiusa la sua grande e felice trappola finché non avesse avuto qualcosa da dire che fosse anche vagamente rilevante per quelli di noi non sposati con Yoko”, e io sono d’accordo..

Lasagne alla crema di cavoli.

Quando ero ragazzina e vivevo a casa dei miei genitori , la domenica mattina venivo spesso svegliata dal profumo delle lasagne che inondava la casa. E questa domenica mi è venuta voglia di preparare delle lasagne un po' particolari, utilizzando come ingrediente principale il cavolo, re di questa stagione..

Ingredienti:

• 400 g di lasagne
• 1kg di cavoli misti (cavolfiori, broccoli, cavoli romani, verza..) 
• 1 spicchio d'aglio
• 3-4 acciughe
• noce moscata
• 100 g di groviera grattugiato
• 100 g di parmigiano grattugiato
• peperoncino rosso in polvere
• olio extravergine
• sale

per la besciamella vegetale:

• 50 g di farina
• 3 dl di acqua di bollitura dei cavoli
• 1 pizzico di timo
• 0,75 dl di olio extravergine
• sale

Lavate i cavoli misti (cavolfiori, broccoli , cavoletti romani, verza..). Tagliateli a cimette e quindi bolliteli per qualche minuto in poca acqua. Scolateli e conservate l'acqua di cottura. Ripassateli in padella con poco olio, le acciughe, lo spicchio d'aglio, un pizzico di peperoncino e uno di noce moscata. Tenete da parte un po' di cimette per la decorazione e frullate tutto il resto con il minipimer. Preparate poi la besciamella: in una casseruola amalgamate l'olio con la farina, mettete sul fuoco e a questo punto aggiungete un po' alla volta l'acqua di cottura bollente e mescolate senza interruzione, finchè non si sente che la salsa si sta addensando. Poco prima di togliere dal fuoco, aggiungete il sale e il timo. Oliate una teglia da forno, fate uno strato di lasagne e poi proseguite con strati di besciamella, parmigiano e groviera grattuggiati e i cavoli tritati; ripetere gli strati sino ad esaurimento degli ingredienti terminando con la besciamella e i formaggi grattugiati. Infine infornate a forno preriscaldato a 200 g lasciando cuocere fino a quando si sarà formata una crosticina dorata (circa 15-20 minuti). Impiattate con qualche cavoletto tenuto da parte.

 Song: " Closedown" The Cure

Ci sono dei momenti in cui trovo necessario ascoltare i Cure. Non che sia una loro grande fan ma credo che ci siano dei loro dischi veramente terapeutici, tipo quello di cui vorrei parlarvi questa domenica.“Disintegration” è pura grandezza emotiva concentrata. E’ una lega magica formata dall’ amalgama dell'esibizione vocale di Smith con i suoi lampi di calma e di terrore combinati con la batteria ispirata a Boris Williams, il vorticoso lavoro di chitarra di Porl Thompson, il basso dominante di Simon Gallup e il flare dei synth e del piano di Roger O'Donnell. Tutti questi strati multipli hanno creato un album sorprendente. Tra le molte ragioni per cui è diventato così popolare è stata la sua capacità di accompagnare qualsiasi emozione. L'album è a sua volta bello, orribile, sardonico, sublime, ribollente, cupo, malinconico e spettrale. Ognuna delle canzoni raggiunge l'ascoltatore con una immediatezza che non potrà mai essere dimenticata. E’ un album che richiede tutta la tua attenzione. Nessuno dei brani potrebbe essere accusato di essere breve, ma come ascoltatore desideri che non finiscano mai. Se prendi leggi le note di copertina troverai scritto questo avviso: "Questa musica è stata mixata per essere suonata ad alta voce, quindi alzala". Pochi album degli anni '80 potevano vantare un inizio grandioso come Plainsong con la sua intuizione mozzafiato. I rintocchi di vento discordanti e la pesante melodia, la profonda chitarra ronzante esplodevano effervescenti dagli altoparlanti. In alcune note, tutti i dubbi su questo album sono stati messi a riposo. Plainsong è una cattedrale vorticosa di una canzone. La consegna affascinante di Smith era una miscela perfetta di desiderio ed effetto. Pictures of you sono il seguito perfetto. È  più leggera , ma altrettanto lamentosa. La sensazione cristallina della canzone offre una pura ondata di frizzante freschezza. Smith eloquentemente dipinge l'immagine del frammento di ghiaccio che viene posto

per sempre nel cuore spezzato di un amante . Closedown è la canzone che si avvicina di più per illustrare la depressione oscura di Smith. Allude al periodo durante la registrazione quando ha chiuso tutti fuori mentre affrontava i suoi demoni. La canzone termina con il suo lamento "se solo potessi riempire il mio cuore di amore". La canzone è un'esplosione di percussioni con un uso appropriato di voci a più livelli. È maestosa, vorticosa e accattivante. Lovesong come i fan del Cure sanno è stato scritto come regalo di nozze per la moglie di Smith, Mary. È il momento più spensierato del disco, che apparte nel momento perfetto della playlist quando le cose si fanno un po 'troppo sdolcinate. Smith ha detto di Lovesong che gli ci sono voluti 10 anni per arrivare a un punto in cui si sentiva a suo agio cantare una semplice canzone d'amore. L'accompagnamento di synth e chitarra definisce perfettamente l'atmosfera della canzone. Smith elenca tutti i suoi problemi e come essere soli con Mary li risolve. "Per quanto lontano, ti amerò per sempre. Last Dance forse la canzone più debole dell’album per me. La canzone si dispiega su un ampio panorama sonoro che trasmette tutta l'emozione del suo intento. L'argomento tratta del tradimento senza tempo di crescere e allontanarsi da un amore infantile. E poi parte Lullaby. La lenta traccia di valzer con le sue terrificanti immagini da incubo è fatta con un tale gusto innocente, che non sorprende che sia passata

alla # 5 delle classifiche americane. La canzone è stata ispirata dal padre di Smith che cantava ninne nanne un po 'contorte per il giovane Robert. Questa è stata anche una canzone così ricca di immagini che ha reso la traduzione facile in un accattivante video pluripremiato. Fascination Street è una canzone pop dai toni spinosi. La chitarra urlante all'intro e il battito carico hanno dato tutte le indicazioni che la band non aveva dimenticato come scrivere una canzone radio-friendly. Smith ha dichiarato che la canzone è stata ispirata dalla scena del club all'epoca in Bourbon Street a New Orleans. L'accompagnamento musicale è soddisfacente e ancora una volta Smith è perfetto con la sua consegna. Preyers for rain insieme a The Same Deep Water as You rappresentano la colonna emotiva portante del disco. La chitarra ronzante, il pianoforte scintillante e le tastiere costruiscono questo incredibile crescendo. C'è un contro-posizionamento dell'escalation nel suono alla discesa dei testi oscuri. È atmosferico e ipnotico. La desolazione ispirata dalle paure di Smith di fallimento e invecchiamento è cristallina e dolorosa. The Same Deep Water as You è un'ode sull'irraggiungibile brama per il malinconico passato . Il sorprendente ritratto di morte di Smith, che alcuni dicono essere auto-indulgente, è qualcosa di più trascendente. L'atmosfera maestosamente lunatica la rende la canzone più affascinante dell'album. È il culmine del disco.In Disintegration Robert Smith sta affrontando tutte le nevrosi e la paura della sua vita. In mostra ci sono tutti i tradimenti, l'avidità, la doppiezza, la depressione, l'abbandono, la mancanza di amore e la morte che lo perseguitavano durante lesessioni di registrazione. Offre un testo pieno di emozioni crude. Offre il suo cuore all'ascoltatore in questa canzone. Un poema evocativo di angoscia per aver raggiunto le cose che hai sognato, solo per scoprire che si sono trasformate in polvere nelle tue mani. L'abile esibizione musicale si svolge lentamente, mentre scivola e ti risucchia nel buco nero del testo. Il brano finale, Untitled, è il più disadorno dell'album. Anche il suono è più ottimista dei testi. Williams brilla alla batteria mentre l'organo scivola nell'etere. E’ la canzone è un addio all'album. Tutte le paure di Smith che non avrebbe mai prodotto un capolavoro potrebbero essere messe a tacere con la creazione di Disintegration. Si erge come il suo magnum opus. Alla fine, c'è una parola che descrive Disintegration: capolavoro.

Le Parole Sul Piatto.

Ieri ho incontrato una ragazza che non vedevo da tempo e mi ha chiesto: "Hai lasciato il lavoro? Perchè seguo tutte le cose che stai facendo in questi mesi e ho pensato che fosse impossibile lavorare al nido e dedicarti al blog e alla radio con così tanta dedizione!". In molti mi chiedono dove trovi il tempo per fare tutto, e a volte me lo chiedo anche io. In questo ultimo anno, da quando è iniziata la mia avventura radiofonica con Federico Faggioni in "Cibo e Vino A 33 Giri" e la collaborazione mensile con "Liguria Wine Magazine" ho imparato ad ottimizzare il tempo: la sveglia suona ogni mattina alle 5:00, preparo un caffè e scrivo il più possibile , poi mio figlio si sveglia, chiudo il pc e inizia la seconda parte della giornata. Anche la pausa pranzo, l'attesa del pulmino scolastico, la panchina al parco giochi possono diventare i momenti dedicati al lavoro da "blogger", se mi viene un' idea la elaboro ovunque mi trovi. E quando torno a casa sul piatto gira sempre un vinile.
 Questa domenica mi è venuta  voglia di condividere con voi i progetti che hanno aperto questo autunno che profuma ancora un po' d'estate..il primo è capitato grazie a Fulvio D'Ascola, sociologo e conduttore di “Walking in Soul" su Radio Antenna Febea, emittente di Reggio Calabria. Fulvio ha seguito il mio blog e mi ha chiesto una collaborazione all'interno del suo bellissimo programma, così è nato "Walking Soul Kitchen", una pillola settimanale in cui propongo una ricetta accompagnata da una canzone soul, di cui racconto la storia. La voglia di parlare di musica ha fatto nascere un altro progetto, che mi sta veramente a cuore: è da molti mesi che sono entrata nella famiglia di Radio Rogna, con “Cibo e Vino a 33 giri", e ora mi hanno dato la possibilità di realizzare un sogno, una mia trasmissione in diretta ogni giovedì alle 21:00, in cui farò una delle cose che mi piace di più, parlare di musica.
La mia non sarà l'unica trasmissione in diretta ma fa parte del nuovo e ricchissimo palinsesto della radio, pieno di voci che hanno voglia di farsi sentire: hanno fatto egregiamente da apripista Alessandro Zannoni che da un paio di mesi conduce "Senza Filtro" combattendo l'ignoranza divertendosi e facendoci ascoltare bellissima musica, e i ragazzi del Laboratorio con me che conducono  "Adiritura" (l'unica trasmissione senza doppie) e che con le loro opere saranno i protagonisti della MegaAsta di oggi pomeriggio alle 16.00 al Lavoratorio Artistico.
Si uniranno alle due dirette già attive Andrea Giannoni e Cristina Maya Dadà con "A Metà strada", Federico Faggioni e Simone Ricciardi con "Fino All'Osso", Alessandro Palumbo e Luca Ortelli con "Lost In The Stars", Alessandro Sgorbini" con "Siamo ancora all'asilo", Eros Sabella e Walter Ubaldi con "It's a Live", Danilo Othavio con "Ritmazione"..e ci sarò anche io con "Le Parole sul Piatto".
Tutto questo succederà da lunedì 22 ottobre e ci piacerebbe davvero poter entrare nelle vostre case attraverso la web radio che non solo sogna, ma che i sogni li rende realtà.. www.radiorogna.it

Linguine al sapore dell'autunno.

L'autunno è arrivato e noi ce lo mangiamo: questa domenica vi propongo una pasta  in cui ho utilizzato prodotti di stagione accompagnati al pecorino romano, un formaggio che amo moltissimo.

• 300 gr di linguine
• 700 gr di zucca da pulire 
• 250 gr Funghi champignon 
• 1 cavolo bronzino
• 6 pomodori pizzutelli
• 2 spicchi d' aglio 2 spicchi
•  Olio extravergine d'oliva 
•  Rosmarino q.b.
•  Sale fino q.b. 
• Pecorino romano grattuggiato

Per preparare la pasta d'autunno, iniziate pulendo la zucca. Tagliatela, togliete i semini interni  e la buccia ; dovrete ottenere 460 g di zucca pulita. Poi riducete la polpa a fette e successivamente a dadini di circa mezzo cm.
Pulite anche i funghi Champignon eliminando la parte più terrosa del gambo e pulendo con un panno leggermente inumidito sia la cappella che il gambo. Tagliate poi i funghi in 4 parti e tritate anche gli spicchi d'aglio puliti e il rosmarino . Lavate il cavolo bronzino quindi sfogliatelo  ed eliminate il gambo , poi staccate man a mano le cimette dividendole dal fusto .Tagliate a dadini la parte più tenera del gambo. Tagliate i pomodori in 4 parti.
In un tegame versate abbondante acqua per la pasta e a bollore salate. In un altro tegame versate l'olio e soffriggete il trito di aglio e rosmarino . Mescolate qualche istante, poi unite la zucca tagliata a dadini , il pomodoro, il cavolo , i funghi e cuocete per circa 20 minuti a fuoco medio, mescolando spesso. Aggiungete dell'acqua di cottura della pasta al condimento per favorire la cottura .
Fate cuocere la pasta , scolatela al dente e versatela direttamente nel tegame con il condimento a fuoco spento. Mescolate delicatamente  e servite subito con una bella spolverata di pecorino romano..

Song: "Kashmir" Led Zeppelin

Il 1975 è stato un anno  fondamentale : sono nata io e venivano pubblicati alcuni degli album più importanti della storia della musica rock: “Horses” di Patti Smith, “The Beatles” (White Album), “Wish you were here” dei Pink Floyd, “Born To Run” di Bruce Springsteen e Physical Graffiti, il sesto album degli Zeppelin.  A dire il vero le registrazioni dell'album erano iniziate molto prima,  nel novembre del 1973, ma John Paul Jones si ammalò e il tutto venne rimandato al febbraio dell'anno successivo. Inoltre, sebbene i quindici pezzi fossero pronti e mixati fin dal giugno del 1974, passò un ulteriore anno prima che il progetto del loro album doppio venisse distribuito, perché i 4 erano impegnati nella fondazione della loro nuova etichetta musicale,  la Swan Song. Forse tra le copertine più belle dei Led Zeppelin, la cover di Physical Graffiti ha una storia più interessante del disco stesso. Opera del designer Peter Corriston la copertina ritrae la facciata di due edifici di New York, situati al numero 96 e al numero 98 della 8th Street/St. Mark’s Place, nell’East Village, che sono diventati meta di pellegrinaggio di tutti i miei amici che sono stati a New York .La facciata anteriore della copertina è una foto di giorno delle facciate mentre quella posteriore è uno scatto notturno. In entrambi i lati le finestre del palazzo sono state ritagliate per fare posto ai volti di alcuni personaggi iconici del tempo: l’assassino di JFK Lee Harvey Oswald, Neil Armstrong, Elizabeth Taylor nei panni di Cleopatra, King Kong, la Vergine Maria, Judy Garland e il cast del Mago di Oz, gli stessi Led Zeppelin e il loro manager Peter Grant, il body builder Charles Atlas, la Regina e Laurel & Hardy. La copertina è chiaramente ispirata alla cover di un disco di Jose Feliciano del 1973: Compartments.  Physical Graffiti riunisce tutto ciò che la band fa bene su un disco monolitico, della durata di oltre 80 minuti, che non è mai noioso . Ha canzoni vecchio stile: il tradizionale gioco di "Boogie with Stu", il blues shuffle di "Houses of the Holy" e il bellissimo strumento a dodici corde per chitarra acustica (che si distingue come forse la migliore canzone dell'album per me) "Bron-Yr-Aur", un ricordo ossessionante di uno dei locali preferiti di Jimi Page. Ha perfette canzoni e ballate popolari: la suggestiva sinfonia di chitarra di "Down by the Seaside", che è forse il miglior lavoro di chitarra di Page, "In My Time of Dying", a dimostrazione del fatto che il loro blues lento non è diventato stantio. , "Ten Years Gone", che prende i tesori indiani dei "Four Sticks" di Zoso e li aggiorna a un nuovo tipo di beatitudine radiosa, "Night Flight" dove una semplice progressione di accordi evoca una perfetta risposta emotiva da Plant e la sua storia d'amore che non può finire. Ha anche un sacco di hard rock: "The Wanton Song", "Trampled Under Foot", "Custard Pie", "Sick Again", "The Rover" ... ..ok, la maggior parte del disco è dedicata all'hard rock …ma non è quello che la band fa meglio? Sì, e queste canzoni su un singolo album dovrebbero assolutamente dominare, ma su un doppio in cui sono mescolate a tutti i generi di folklore e misticismo emergono ancora di più. "Wanton Song" è la mio preferita tra questo genere di canzoni, stabilendo un precedente con la sua batteria implacabile e le chitarre ruggenti e il basso come il  migliore del rock n roll degli anni '70. Ci sono ancora canzoni che estendono i confini del rock di ciò che è la grande musica, come l'inesplicabile "Kashmir" di parole e le lunghe sequenze ventose di chitarra nell'epica "In the Light". Quest'ultima canzone e "In My Time of Dying" sono capolavori di jam da nove e undici minuti e sono veri attributi di ciò che i doble album possono fare. Cos'altro posso dire di questo album se non quello di apprezzarlo, in quanto è uno dei migliori due album degli anni '70 (lassù con Exile on Main Street, Songs in the Key of Life e Quadrophenia) ed è la dichiarazione definitiva di Led Zeppelin.

Involtini di verza con patate e speck e crema di rapa rossa.

Cucino spesso gli involtini di verza e questa volta ho voluto proporveli ripieni di speck e patate, arricchendoli con una crema nata da quello che avevo in frigo: una rapa rossa al vapore e un panetto di philadelphia! Il contrasto tra il sapore dolciastro della rapa e quello più forte della verza ha creato un piatto molto interessante, anche a livello cromatico…da provare!

Ingredienti

• 12 foglie di verza 
• 3 patate medie bollite 
• 1 uovo e 1 tuorlo 
• 40 gr di pecorino grattugiato 
• 80 gr di speck tagliato a striscioline
• sale e pepe 
• olio extravergine d’oliva

Per la crema di rapa rossa:

• 1 rapa rossa cotta al vapore
• 1 panetto di philadelphia
• Sale, pepe

Lavare le foglie di verza quindi farle sbollentare in acqua bollente salata per un minuto circa, scolarle e tenerle da parte. Lessare le patate, sbucciarle e pressarle con lo schiacciapatate in una ciotola. Unire il formaggio, le uova, lo speck fatto rosolare in padella e mescolare bene. Regolare di sale e pepe e farcire, con il composto ottenuto le foglie di verza, creando degli involtini. Porli sul fondo di una pirofila rivestita di carta forno. Infornare a 180°C per circa 25 minuti. Nel frattempo preparare la crema di rapa rossa tagliandola a pezzetti e frullandola assieme al philadelphia aggiungendo un pizzico di sale e di pepe. Servire gli involtini ricoperti dalla crema di rapa rossa ..

Song: "Sweet Jane" Velvet Underground

La cosa che mi ha sempre colpito dei Velvet Underground è la visione oscura del periodo storico in cui stavano vivendo. Mentre gli hippie giravano e portavano fiori tra i capelli, la dinamica di Lou Reed e John Cale si tuffava nell'ombra, portandoci faccia a faccia con spacconi, eroina e macabre storie d'amore. Reed ha portato una scrittura acuta per penetrare profondamente nel cuore dei fan, mentre Cale ha lavorato su un nuovo senso di ritmo e suono per piegare le loro menti . L'ultimo e più controverso album in studio dei Velvet Underground, Loaded, è pieno di brani meravigliosi, di lirismo accorato e contemplativo, ricco di grande energia. Quando uscì Loaded Cale aveva già abbandonato i Velvet da tempo e ancor prima che il disco in questione fosse pubblicato,  Lou Reed lasciò la band per perseguire una carriera da solista . È un disco anomalo per i Velvet Underground, non ultimo perché manca la metà della line-up originale del gruppo, ed è largamente dominato dal canto e dal suono del ventitreenne Doug Yule. Sulla carta, sembra essere la versione più commerciale della band - contiene i successi Sweet Jane e Oh! Sweet Nuthin ' probabilmente le canzoni per le quali il gruppo sarebbe diventato più conosciuto . È un miscuglio di stili, toni e atteggiamenti che si sentono come una vera opera d'arte, non a dispetto delle sue contraddizioni, ma a causa loro .Dopo aver pubblicato i loro primi tre album con la casa discografica Verve, i Velvet Underground firmarono per Atlantic Records, e fu chiesto dal capo dell'etichetta, Ahmet Ertegun, di evitare il sesso e la droga nelle loro canzoni, di creare tracce che fossero più “pulite”, che potevano essere passate in radio. Essenzialmente doveva essere un operazione commerciale, il che ovviamente ha infastidito Reed. È da qui che l'album trae il suo nome ironico, con la band che afferma che gli è stato chiesto di realizzare un album 'carico di successi'. Questo album è meno ovvio nelle sue contemplazioni di precedenti brani come "Heroin" o "I'm Waiting For My Man", ma Reed ha dimostrato con questo disco che poteva scrivere canzoni dal suono commerciale senza abbandonare la sua personalità musicale in quel processo. Il disco si apre con “Who Loves The Sun” è forse il brano più vellutato dei Velvet Underground su Loaded e mostra il suono distintivo che avrebbe poi aperto la strada a Calvin Johnson e ai suoi amici di K Records. Il ritornello morbido e orecchiabile è quasi surreale rispetto alle forme impazzite che Cale stava creando su "Sister Ray" e in generale nei due album precedenti. Puoi quasi sentire Reed trasalire (con sfumature scure, ovviamente) nella luce abbagliante dell'estate, come se fosse appena emerso da qualunque immersione squallida in cui si fosse nascosto. Ma è "Sweet Jane" che stabilisce il tono per il resto di Loaded. Padroneggiando l'arte del pigro twang, Reed piange su Jack, Jane e si innamora di un mondo cinico. È un brano lento e blues che si sviluppa in un ritornello commovente e si inscrive perfettamente in "Rock 'n' Roll". L'energia spenta di "Jane" si riversa in questa traccia, dando un tocco in più ai riff di chitarra e agli assoli d'organo , poi si arrampica in un estatico coro vorticoso. "Va tutto bene ora!". Di seguito è "Cool It Down", che, come suggerisce il titolo, abbassa il tempo con un po 'di rilassato, groovy blues. È immediatamente offuscato, tuttavia, dall'intensa magia di "New Age", una maestosa canzone d'amore per una "attrice bionda e grassa" che rimarrà senza nome. Reed è sempre al suo meglio esplorando il cuore gonfio di angoscia,  mentre immagini gli occhi stanchi e le trecce di un 'icona dimenticata , la nostalgia e l'amore si mescolano liberamente, inducendo sospiri da sogno. Appena l'umore cala, riprende subito con "Head Up High". Puoi assaporare la grinta in questo rocker contornato da battimani e tamburelli. " Lonesome Cowboy Bill "fornisce un ponte umile e spensierato per il fuoco che è stato raccolto fino ad ora, ma puoi sentire le cose rallentare per il serico, doo-wop croon-fest che è" I Found a Reason”. All'improvviso si apre una distorsione temporale sul disco, e "Train Round the Bend" ti riporta al lavoro di chitarra stridente e alla voce sobria e gracchiante del loro debutto prodotto da Andy Warhol. Spaziale e inquietante, è un posto strano per un ritorno al passato, ma un benvenuto per i fan dei Velvet della vecchia scuola. Chiude questo ultimo capitolo della storia dei Velvet Underground, "Oh! Sweet Nuthin '" e ha il tocco finale perfetto. Tristemente, sottovoce, Reed respira un racconto sul down-and-out, e su quella sensazione familiare di essere a mani vuote. È una dolce fetta di malinconia intrisa della santa grazia del blues, e sicuramente ha un posto nel cuore di ogni fan. Loaded è un album come pochi altri; spiritoso, sciocco, sensuale e sincero. In effetti, è davvero così rivoluzionario - così veramente unico -che  anche mezzo secolo dopo la sua uscita, ancora vola…